lunes, 29 de diciembre de 2014

Ramones 4EVER


2014 fue el año en que se completó lo que algunos llaman la "maldición de The Ramones", en julio de este año falleció el último de sus miembros fundadores: el batero Tommy Ramone, víctima de un cáncer al igual que sus compañeros Joey y Johnny. La banda pionera del punk es ahora un recuerdo, aunque  muy vigente por lo demás en la cultura pop y en el inconsciente colectivo. Cada vez son más las personas de todas las edades que lucen poleras con el célebre logo, y en la música no son pocos los nuevos conjuntos que como Vivian Girls, Arcade Fire y Teenage Bottlerocket, captan jóvenes audiencias reproduciendo los enérgicos beats de The Ramones desde muy diversas aristas musicales.

Ramones son los Stones neoyorkinos que reverenciaremos por siempre, simples y efectivos, ruidosos y divertidos, una banda influyente como pocas que pese a no triunfar como merecían en su propia patria, cosechó éxitos en el mundo entero, llenaron estadios en lugares tan lejanos como Japón, Brasil y Argentina e irradiaron su sonido a un amplio espectro de artistas que van desde la new wave al thrash metal, por lo conocido bandas tan diversas como U2, Buzzcocks, NOFX, Black Flag, Pixies, Sex Pistols, Beastie Boys, Garbage, Motörhead, Red Hot Chili Peppers, Green Day, Foo Fighters, Cro-Mags, Pearl Jam, Propaghandi, Six Feet Under, The Offspring, Soundgarden, Faith No More, Metallica, Bad Religion, The Clash, etcétera.

Hoy los queremos recordar en LRDRP, repasando brevemente la biografía de sus integrantes originales.


JOHNNY RAMONE 
(8 Oct 1948 - 15 Sep 2004)


John William Cummings fue el líder indiscutido de The Ramones, un tipo de carácter fuerte y cara de pocos amigos. La parquedad de Johnny mantuvo unida a la banda durante 22 años, sobreponiéndose a la volátil personalidad de Joey y a las disfuncionalidades de Dee Dee. Johnny es en gran medida el responsable del concepto de la banda, artífice del republicano logo y de la uniformidad -cuasi militarizada- que representaba la estética de chaquetas negras, bluejeans y cortes de pelo beatleanianos que inmortalizó a Ramones a fines de los '70.

Este fanático de Elvis Presley -a quién dedicó una habitación entera con su colección de discos y objetos- emergió de los suburbios del Bronx, transformando paulatinamente su carácter pendenciero en dotes de liderazgo, gracias a él Ramones pasó a ser de una banda de amigos a una empresa, destacada por todo, menos por sus relaciones interpersonales.

Curiosamente, Johnny contradijo todos los clishés punk: era un destacado conservador, fiel al partido Republicano y acérrimo del presidente George W. Bush. Aún así, fue y será siempre uno de los integrantes más admirados y queridos de The Ramones, al extremo que -por ejemplo- el británico Morrisey declaró que desea ser sepultado al lado de los restos de Johnny, quien pese a su reconocido malhumor, tuvo grandes amigos y seguidores como Lemmy (Motörhead), Eddie Vedder (Pearl Jam) y Joe Strummer (The Clash). 

La historia negra de The Ramones, destaca sobremanera sus tendencias políticas de ultraderecha y el hecho de que le levantó la novia a Joey (Linda Ramone) y terminó casado con ella, socavando el orgullo de su ex amigo y destruyendo todas las cordialidades en la banda, sin embargo Johnny fue el elemento racional y el cemento que unificó a un grupo de junkies que de no haber contado con su presencia, habría terminado como otros tantos grupos del medio: disueltos y olvidados luego de un par de años.


JOEY RAMONE 
(19 May 1951 - 15 Abr 2001)


Jeffrey Ross Hyman fue el alma romántica de The Ramones, dueño de una sensibilidad un tanto más hippie que punky y compositor de las grandes baladas como "I Want Around You", "She's the One" y "She talks to Rainbows" entre muchas otras. Se decía de Joey que era demasiado tímido, retraído, enfermizo y paranoico, un verdadero niño en el cuerpo de un gigante de dos metros de altura, afectado por el síndrome de Marfan (causal de su físico desgarbado), cabello largo y unas gafas de sol que jamás se quitaba.

En cuanto a tendencias políticas, Joey era la contraparte del "facho" Johnny, quien tras robarle a su novia Linda en los '80, se convirtió en su enemigo (dedica a Johnny el tema "The KKK took my baby Away": "El Ku Klux Klan se llevó a mi novia lejos"), luego de ello jamás volvió a tener una relación sólida con ninguna mujer. Joey se reconocía así mismo como demócrata, liberal y pacifista y como todo buen judío de Nueva York, en sus últimos años mostró interés también por la política norteamericana en Medio Oriente.

Fanático por partes iguales del espiritual John Lennon y del irreverente Mick Jagger, la vida y obra de Joey Ramone exhibió todo tipo de contradicciones, pese a que su impronta de rockero no desterró del todo su gusto por la música pop y las palpables influencias de artistas como The Ronettes, The Beach Boys y The Troggs, exhibidas ampliamente en el álbum de 1980 The End Of Century (producido por el legendario Phil Spector). En su rol de frontman, reconció también las influencias de Alice Cooper, Iggy Pop y Jim Morrison.

Joey fue el primer Ramone en fallecer el año 2001, afectado por un linfoma. Por lejos el integrante más querido y tributado de la banda. U2, Blondie, Brant Bjork, Helen Love y otros tantos conjuntos le han dedicado temas póstumos.


DEE DEE RAMONE
(18 Sep 1951 - 5 Jun 2002)


Douglas Gleen Colvin, no hay duda que caiga, fue el tipo más divertido, creativo, arrebatado y  junkie de The Ramones, un punky por excelencia además de principal compositor del cuarteto neoyorkino. En cuanto a géneros, Dee Dee fue quien optó por adaptar las influencias más tóxicas, destacando la música de artistas como New York Dolls, The Stooges y MC5.

Se comenta que llevaba por el mal camino al influenciable Joey y que su descontrol, despilfarro y anarquista existencia tendían a desesperar al rígido Johnny, aún así Dee Dee se las arreglaba para hacer lo que quería y sus canciones inspiradas en una vida peligrosa, llena de drogas, amores psicópatas, peleas de bar y problemas con la autoridad, lograban ser -en apenas un par de estrofas muy repetitivas- la esencia misma de The Ramones.

Dee Dee murió como vivió: reventado en drogas. Una sobredósis de heroína terminó con sus días en junio de 2002. La muerte de Joey, un año antes, lo había deprimido al punto de agudizar su dependencia a las drogas duras. En 1989 Dee Dee fue desvinculado de The Ramones por el propio Johnny, aburrido de sus escándalos, impuntualidades y falta de compromiso con la banda, aquello dió pauta para que experimentara nuevas aventuras en solitario, primero bajo el apelativo de "Dee Dee King", mezclando rock con rap y luego acompañado de distintas formaciones, entre las que destaca The Ramainz, un tributo a sus propias creaciones en compañía del incombustible batero Marky Ramone y de su última novia, la argentina Barbara Zampini.


TOMMY RAMONE
(29 Ene 1952 - 11 Jul 2014)


Nacido en Hungría y de orígen judío, Tamas Erdélyi fue el baterista inicial de The Ramones, un sujeto cuyo único pecado fue no caer en gracia al complicado Johnny, quien se las arregló para sacarlo en 1978. Pese a no ser un gran baterista, Tommy instauró el sonido de The Ramones (y de rebote, de todo el punk), basado fundamentalmente en el ritmo de los tarros, constituyendo una base que suena de continuo tema a tema, especialmente durante los conciertos.

Tommy vuelve a relacionarse con The Ramones en 1984, como productor de su octava placa Too Tought to Die, pero no logra trascender a la siguiente ni ganarse la confianza del acerbo Johnny. Más allá de sus innovaciones en la batería, sus aportes también son valorados en el terreno compositivo, siendo el autor de clásicos como "I Wanna Be Your Boyfriend" y del hímno ramoniano "Blitzkrieg Bop".

Tommy perdió en junio de este año una larga batalla contra el cáncer biliar. Como cuarto miembro de los Ramones originales, su muerte marca el fin de la leyenda.


LOS OTROS RAMONES

Marky Ramone (15 Jul 1956): Tras la presionada salida de Tommy, llega en su reemplazo Mark Steven Bell, un batero proveniente del mundo del hard rock, miembro del power trío Dust. Marky será el batero más omnipresente en la historia de The Ramones, un músico de gran nivel que tuvo que amoldarse al estílo punk y a las pocas cualidades musicales de sus compañeros. En los últimos diez años, Marky ha sacado partido y obtenido buenos réditos al hecho de haber sido un "Ramone", tocando los clásicos del conjunto  en escenarios de todo el planeta, acompañado de incontables artistas, entre ellos el genial Andrew W.K.

Marky tuvo trayectoria de sobra, para ser reconocido como "el último Ramone vivo", hoy por hoy es la llama olímpica que mantiene vigente el espíritu de los neoyorkinos.

CJ Ramone (8 Oct 1965): Cristopher Joseph Ward, fue el reemplazo de Dee Dee en los '90, un chico con gran potencial que tocaba bien el bajo, cantaba fuerte en los coros y recordaba en algo la actitud indómita del gran Dee Dee, sin embargo, pese a todo, no fue más que un reemplazo y Johnny se lo hizo notar.

Richie Ramone (11 Ago 1957): A mediados de los '80 -cuenta la leyenda- Johnny se aburrió de Marky por sus reiterados problemas con la bebida, despidiéndolo de la banda y realizando inmediato un casting que arrojó desde el anonimato a Richard Reinhardt, en adelante "Richie Ramone". Richie era un sujeto fornido y de buena apariencia que además le daba duro a los tarros y tenía una elegancia que robaba protagonismo, tal vez por esa misma razón Johnny terminara presionando su salida, la que a su vez fue aprovechada por Marky para regresar y ya nunca más dejar de ser un Ramone.

jueves, 25 de diciembre de 2014

Espíritu Navideño


Navidad y Año Nuevo son festividades ancestrales cuyo sentido original guarda relación con la prosperidad de la tierra (la siembra y la cosecha), por ello en estas fechas los antiguos celtas quemaban monigotes de paja para simbolizar la renovación de los ciclos y el renacer interior del propio ser humano. Espero consideren y no pierdan de vista esta perspectiva, yo los invito a seguir rockeando en lo poco que queda de este 2014 y en cada uno de los 365 días del 2015.

Felices fiestas!



miércoles, 24 de diciembre de 2014

Los Lucuma - Destruye la Ciudad Psicológica (2014)


Desde Bs, Argentina nos llegó hace una semana este interesante y muy bien logrado material de la banda Los Lucuma, fusión de heavy rock con elementos progresivos.

La banda en cuestión, carga en el cuerpo 12 años de trayectoria y este Destruye la Ciudad Psicológica es de hecho su segundo álbum editado, del cual nos comentan la idea tras el título: "...Esta "Babilonia" que lleva dentro la mente humana, esta "ciudad psicológica", donde habitan los demonios de la ira, de la codicia, de la lujuria, de la envidia, del orgullo, de la pereza, de la gula, debe ser destruida...."

En cuanto a influencias, Los Lucuma se reconocen seguidores de Rush, Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, King Crimson, Iron Maiden, ELP, Tool, Porcupine Tree, Mastodon y Baroness, entre otros y el sonido de Destruye la Ciudad Psicológica logra hacerles justicia.


Los Lucuma son:


Daniel Acosta (Guitarra y Voz)
Martin Huertas (Bajo) 
Fernando Acosta (Guitarra)
Javier Foppiano (Batería)



FC Lemmy


Esta noche es Nochebuena, mañana Navidad y hoy 24 de diciembre se cumplen 69 años (número revelador) del nacimiento del impar Lemmy Kilmister, un nombre que de por sí es sinónimo de rock 'n' roll. 

Lemmy nació a la música a comienzos de los '60, de la mano de The Rockin' Vickers secundando por entónces las influencias de The Beatles, tiempo después se interna al tren de la psicodelia de la mano de Opal Butterfly y Sam Gopal, evolucionando paulatinamente hacia una expresión más ácida y dura del rock, que se hará definitiva tras su ingreso a Hawkwind a comienzos de los '70. En el '75 abandona Hawkwind para formar su propio trío de rock ruidoso y directo: Motörhead, junto al ex guitarrista de Pink Fairies: Larry Wallis y el batero Phil Taylor. Con Motörhead estabiliza su carrera en el rock, pasando por varias formaciones y evolucionando desde una música con influencias de MC5 y del rock 'n' roll primigenio de los '50 (evidentes en el LP On Parole) a una especie de cruza entre la adrenalina punk de The Ramones y el metal duro y puro de Black Sabbath, de aquel menjunje se gestan dos nuevos estílos: la NWOBHM y el thrash que serán punta de lanza en el renacer del hard rock hacia comienzos de los '80.

Cinco décadas en la música, avalan a Lemmy como el más grande rockstar de la historia, no excento de polémicas y declaraciones poco cristianas, como la de tener en su memoria el registro exacto de mujeres con las que se ha acostado: nada menos que mil doscientas, el hecho de que las prefiere muy zorras o que en la actualidad se siente muy viejo para correr tras ellas y hasta ha asumido cierta condición bisexual. Aquel es el Lemmy leyenda, que sorprendía a sus doctores por la sobrehumana resistencia al alcohol, las drogas (duras y blandas), las pastillas y el cigarrillo, de él -se comenta- concertó las fiestas más salvajes en la historia del rock en compañía de íconicos amigotes como Ozzy, Wendy O', Syd Vicious, Phil Lynott, Dave Grohl y malas juntas en general. Reconocido coleccionista de armas y objetos nazis, un tipo que asegura jamás haber utilizado condón en sus prolíficas relaciones ocacionales y al que la suerte ha premiado sin contraer ninguna ETS e increíblemente con sólo dos hijos (al menos reconocidos) de quienes dice no tener gran afinidad.

Aquel es Lemmy, no un excéntrico cualquiera, sino el tipo más rockero del mundo! un hijo de diciembre y del signo capricornio, que de jóven ya se sentía viejo (como confiesa en el clásico "Capricorn") el hombre que acuñó la célebre frase: "Born to lose, Live to win".


Feliz cumpleaños viejo zorro!

martes, 23 de diciembre de 2014

Descarga la Enciclopedia del Heavy Metal


El metal: sin duda el género más popular y aclamado de la música rock nos invade de referencias por todos lados. Es que aquel sonido "demoníaco" que sumerge sus raíces en el blues y en las experiencias ácido-psicodélicas de finales de los '60, antes de concebir "representación oficial" en el sonido de Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple, germinó en el Hendrix de Are You Experienced?, en los Blue Cheer de Vincebus Eruptum, en los Iron Butterfly de In-A-Gadda-Da-Vida (el álbum), en Steppenwolf y otros tantos conjuntos del ocaso hippie allá por los años 1967 y 1968, vale decir: el metal se encamina ya a los 50 años de historia.

Con tantas canas y arrugas, pareciera que ya está todo escrito en el universo del metal, por lo mismo existe ingente cantidad de material: libros, biografías A y B, películas, documentales y mucho más a lo que se puede echar mano, además de todo el material discográfico difuminado en al menos una treintena de subgéneros que van desde el llamado "true metal" (Dio, Manowar, Virgin Steel, Accept...) a rótulos menos convencionales como el de post-metal, math metal, war metal, etcétera, sin contar los ya estandarizados: metal progresivo, metal alternativo, metal industrial, speed metal, thrash metal, new wave of british heavy metal, hair metal, funk metal, death metal, black metal, white metal, folk metal y un largo y aburridísimo etc, etc.

Quienes gusten emprender o reiniciar el viaje por la dilatada historia del rock metálico, además de Wikipedia, la Encyclopedia Metallum y otros tantos destinos comunes en la red, debieran ya conocerse de memoria gloriosos documentales como Metal: A Headbanger's Journey (2005), Global Metal (2008) y Metal Evolution (2011) del antropólogo y metalero de toda una vida Sam Dunn, probablemente las más loables y documentadas indagaciones sobre el género, en su dimensión histórica y repercusión global. Y a quienes no hacen asco al inglés -aunque tampoco es necesario que hagan gárgaras con él- recomiendo además la "enciclo" linkeada en la foto, un A-Z (aunque naturalmente limitado al grupito de bandas más representativas o importantes) del heavy metal, con crónicas, contextualización y protagonistas, publicado en el 2009 por los norteamericanos William Phillips y Brian Cogan.

Rock Scene: Revive la energía de los '70 y '80


No sólo de vinilos, cds, dvds y blue rays vive el rockero y yo que soy uno más de la camada me considero un completo fetichista, para quien las revistas especializadas (llámense Rock Hard, Rolling Stone, Metal Hammer, Classic Rock, Kerrang!, Blender, etcétera) son también objetos de culto, y mientras más viejas mejor, porque tienen ese algo "vintage" que me encanta, además que me facilitan ojear fotografías de Debbie Harry, Joan Jett, Chrissie Hynde o Pat Benatar de como lucían hace tres décadas o viajar en el tiempo a los años en que bandas como Queen, Kiss, Ramones, Alice Cooper y David Bowie aún no habían quemado todos sus cartuchos, lo cual es una experiencia por lo bajo interesante.

Hoy por hoy las revistas antiguas son objetos realmente valorados y caros por su limitada oferta, tampoco en internet es muy factible encontrarlas. Por esta razón me sorprendí gratamente cuando descubrí que la revista americana Rock Scene (en la actualidad una e-zine) comparte en el siguiente link todos sus números publicados entre marzo de 1973 y enero de 1982. Todo un museo online, para los amantes del rock clásico.

martes, 16 de diciembre de 2014

La gira que consagró a Thin Lizzy en Norteamérica


1977 fue un año glorioso para la música rock, aquel año el punk se pegaría "el gran salto" desde la pequeña escena CBGB en Nueva York (Ramones, Patti Smith, Blondie, Dead Boys, Television...) al Lóndres suburbano, que liderará el nuevo movimiento. Pink Floyd estrenan The Wall, los AC/DC de Bon Scott ensordecen al mundo con Let There Be Rock, por aquellos años el disco de hard rock más agresivo y velóz que se haya escuchado y el gran David Bowie preparaba el camino para Heroes, tal vez el mejor álbum de su prolongada carrera.

Los conjuntos británicos siguen eclipsando Norteamérica, y dos de los mejores representantes de la época: Queen y Thin Lizzy deciden unir fuerzas, aventurandose en una exitosa gira por los Estados Unidos y Canadá. Fue la primera y única vez que estos dos monstruos del hard rock hicieron coincidir sus destinos y el registro se encuentra inmortalizado en una serie de afiches y tickets, además de unas cuantas fotografías donde aparece el buen Phil compartiendo momentos junto a Freddie Mercury, Brian May y Roger Taylor.


La génesis de aquella gira, acontece el año anterior en el ya extinto Advision Studios de Lóndres, donde curiosamente Queen y Thin Lizzy se encontraban grabando material para sus últimas perlas: A Day at The Races y Johnny The Fox, respectivamente. Brian May y Roger Taylor tuvieron allí una primera audiencia con Phil Lynott y Scott Gorham, se demuestran consideración mutua, comparten ideas y surge la idea de realizar una gira conjunta, idea que se materializa al año siguiente.

El combo Queen-Lizzy arribó a Norteamérica en febrero del '77 y extiende su gira hasta marzo. Por aquel entónces Queen ya estaban en el peak de popularidad tanto en Europa como en Estados Unidos/Canadá y el resto del mundo, se les comparaba con Led Zeppelin, "Bohemian Rhapsody" aún estaba fresco en la memoria de todo el mundo y gran parte de su material clásico de los '70 estaba ya cocido. Thin Lizzy en cambio, mantenían una fama más discreta, iniciada cuatro años antes tras su versión hendrixiana del folklórico "Whiskey In The Jar", también habían pegado fuerte en América joyas como "The Rocker", "Still In Love With You", "Rosalie" (original del estadounidense Bob Seger) y -por entónces- dos nuevos temazos: "Jailbreak" y "The Boys Are Back In Town", prometían convertirse en clásicos.


No cabe duda de que aquella fue una gira soñada, en lo personal: mis dos bandas favoritas compartiendo escena y decibeles. Cuán increible debió haber sido presenciar en una misma noche los orgásmicos solos de Gary Moore y Scott Gorham, por parte de Thin Lizzy y los -igualmente- estruendos y armónicos de Brian May por Queen, la incombustible energía de Freddie Mercury y la poderosa actitud de Phil Lynott o a unos jovensísimos Roger Taylor y Brian Downey dándole con todo a los tarros.

Consumada la conquista de América, Thin Lizzy emprenden en el '78 su popular gira Live And Dangerous con AC/DC de invitados estelares en algunas fechas y en el '79 se presentan en festivales americanos junto a Nazareth y UFO, aclamadas presentaciones que germinaron -de costa a costa en los EE.UU.- una pandemia de heavy metal. Se comenta que en el curso de la gira con Queen, Lynott propuso a Brian May grabar pistas de guitarra para su álbum solista, idea que lamentablemente jamás llegó a concretarse.

lunes, 15 de diciembre de 2014

Un reemplazo que no convence


2014 fue un año lleno de sobresaltos para Nazareth, en junio lanzaron al mercado su 23ava placa Rock 'n' Roll Telephone y al mes siguiente el frontman Dan McCafferty oficializó su salida del conjunto por problemas de salud, dejando en sus zapatos a un desconocido Linton Osborne de 41 pepas de edad.

La salida de McCafferty es dificil de digerir entre los fans de toda una vida de la banda y el común de seguidores del hard rock/metal, este señor no sólo lideró durante 45 años a la agrupación más importante de Escocia, fue además alma del conjunto y principal compositor, su machacado estílo vocal inspiró a unos cuantos grandes del género como Brian Johnson (AC/DC), Udo Dirkscheneider (Accept), Axl Rose, Rob Halford (Judas Priest) y David Wayne (Metal Church), entre otros, y -cuenta la leyenda- estuvo a un pelo de reemplazar a Ian Gillan tras su primera salida de Deep Purple.

Sin duda McCafferty es un gigante irremplazable y Linton Osborne un reemplazo que no está a la altura. No sé de qué basurero lo sacaron, pero su voz me recuerda la de cientos de clones mediocres que tocan en bandas tributo a Guns N' Roses, de esas que hasta pagan por tocar o se pagan con cervezas en bares de mala muerte. Para muestra este botón:

martes, 9 de diciembre de 2014

Discos Memorables: Confesiones de Invierno (1973)


Confesiones de Invierno es de esos discos que jamás te cansas de escuchar y que puedes dejar corriendo varias veces seguidas en tu reproductor, al menos eso me pasa a mí con esta obra de arte del año '73, segundo LP de una de las bandas más aclamadas por el hippismo sudamericano.

Resulta increíble que con tan sólo 22 años, Charly García mereciera ya el apelativo de "maestro" al escribir todas las canciones de este maravilloso disco y realizar los arreglos instrumentales correspondientes. Confesiones de Invierno es la voz de una generación y como tal aúna los sentimientos de desamparo y sueños rotos de la juventud argentina de la época (sentimientos también extensibles a la realidad de países vecinos como Chile y Uruguay), una cuyas aspiraciones de libertad y cambio de fines de los '60 impactaron de frente con la dictadura. 


Pese a toda la tristeza que encierran canciones como "Confesiones de Invierno", "Cuando ya empiece a quedar solo", "Rasguña las Piedras" (una referencia a la catalepsia) y "Aprendizaje" CDI no es un álbum depresivo, sino la fiel radiografía de una era y de un continente opaco que sangraba por las heridas de los más jóvenes, presos de ilusiones contenidas a punta de bayoneta. El cierre con "Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey, imaginario o no" es de hecho una inteligente analogía entre la Revolución Francesa y la realidad política del momento: el fin del régimen del general Lanusse y el retorno a una débil democracia que duraría apenas tres años. De otra naturaleza son "Un hada, un cisne", canción de amor en clave de rock progresivo y "Mr Jones..." un proto-hard rock, directo y sin florituras.

No es de extrañar que Charly ya no toque estas canciones, su genialidad abrazó el lado oscuro el día que decidió ser rockstar, demoler habitaciones de hotel y hacerse seudo punk a comienzos de los '80. Es en cambio Nito Mestre con su angelical voz y presencia quien mantiene vivas estas creaciones que son un verdadero valuarte del rock argentino y sudamericano.

Confesiones de Invierno es levemente mi álbum favorito de Sui Generis y los Sui una de las bandas que más amo. Imborrables recuerdos asociados a "Rasguña las Piedras" y "Canción para mi Muerte" (del álbum debút Vida) atesoro en la mente desde tiempos del colegio y aún hoy me es grato escucharlos en alguna fogata (común cursilería) o en una que otra versión nueva.


lunes, 8 de diciembre de 2014

21 años sin Zappa


El 4 de diciembre de 1993, Frank Zappa perdió la lucha contra un cáncer de próstata que lo afectó en sus últimos tres años de vida. Moría el hombre convertido tiempo ya en leyenda, dejando un vacío que ningún músico ni banda podrá llenar jamás. La creatividad le era algo innato, el humor, el virtuosismo y lo freak también.

Frank Zappa cumpliría este 21 de diciembre 74 años de edad. Hijo único en una familia de inmigrantes de orígen italiano, siciliano, árabe, griego y francés, demostró temprana afición por la música clásica y en casa absorbió gran parte de su cosmovisión artística. La severidad de sus padres forjó en Frank un carácter sobrio y responsable que será su plus en la música para estudiarla -si bien de forma autodidacta- rigurosamente y en toda su dimensión técnica, tras lo cual pudo formar y dirigir bandas que eran una verdadera orquesta, así mismo pese a ser uno de los grandes íconos del rock, jamás probó las drogas, rechazaba el alcohol y se burló toda su vida del perfil de rockstar difundido por la industria. 

Zappa bromeaba con el hecho de venir de una familia tradicional y aburrida, pero aquello fue también determinante para tornarse en un individuo libertario, enemigo de la religión, de los evangelistas, de la clase política, de la gran mentira mediática que era la Guerra Fría y en fin, de cada cosa que implicara un abanderamiento. Tampoco se encasilló en estílos particulares y si bien su formación era la música clásica, abrazó poderosamente el jazz, el funk, el rock instrumental y desde mediados de los setenta en adelante, adhirió también nuevos estílos como el heavy metal o el punk rock. 



Al contrario de lo que ocurría sobre los escenarios, fuera de las luces y en su círculo íntimo, Frank Zappa era tremendamente conservador, casado en segundas nupcias con Gail Sloatman, tuvo 4 hijos a quienes inculcó su pasión por la música y el arte: Moon (actríz, nacida en 1967), Dweezil (guitarrista, nacido en 1969), Ahmet (productor musical, nacido en 1974) y Diva (artista y comediante, nacida en 1979). Zappa defendía los antiguos valores americanos, la impronta de la familia y un patriotismo bien entendido. En 1985 fue un importante portavoz de la lucha contra la censura que pretendía llevar a cabo la Parents Music Resort Center frente al contenido de la música rock, testificó en el senado y ganó una importante batalla en favor de la libertad de expresión.

Sólo la muerte apagó su voz en 1993, pero como sostuve al principio del post, a estas alturas ya era una leyenda. Dado que era imposible, nadie continuó cabalmente el legado de Zappa, pero ahí están Mike Patton con Faith No More, Fantômas, Mondo Cane y Mr Bungle, replicando en algo su escencia, lo mismo bandas como Primus y Sistem Of A Down, el multiinstrumentista John Zorn y hasta los divertidísimos DEVO con su rock bizarro. En el nuevo milenio, de vez en cuando los clásicos de Zappa son revitalizados por el impecable tributo Zappa Plays Zappa, del cual es responsable su hijo Dweezil y en el que participan también como músicos invitados, antiguos compañeros de ruta de Frank: el batero Terry Bozzio, el genial Steve Vai y el trompetista Aaron Arnts. 


Veintiún años han pasado desde su muerte, pero el espíritu de Zappa sigue muy vigente. Es curiosa la fama de este ítalo-americano, cuya música no compatibilizaba con el mainstream, apenas fue difundida por las radios y no era grata a medios como MTV ni a una industria musical con la que se detestaban mutuamente, aún así generó material para un centenar de discos, tocó los más diversos estílos durante casi 30 años y se adelantó a varios de ellos, incluídos el rock progresivo (por el lado de la complejidad) y el punk (por el lado contestatario). Aquellos que desconocen su grandeza, simplemente no lo conocen y quienes le han dado un espacio en sus vidas admiten con toda cordura que Frank Zappa es inmortal!


domingo, 7 de diciembre de 2014

Phil Lynott y su oda al hombre negro


Solo In Soho (1980), primer álbum solista del gran Philip Lynott, es probablemente superior a unos cuantos álbumes de Thin Lizzy. En él las influencias de la new wave y el post-punk ganan terreno al hard rock, amoldándose mejor a la poética compositiva de Lynott, decantado en aquellos años por el estílo más mainstream de sus compatriotas y amigos: Midge Ure y Bob Geldof.

Emblemáticas piezas como "Dear Miss Lonely Hearts", "Yellow Pearl" y "Jamaican Rum" dan color a un generoso album de pop-rock que supera apenas los treinta minutos de duración. Otra canción que no pasa desapercibida es "Ode to a Black Man", pauteada en el ritmo por una poderosa línea de bajo y los contundentes riffs de Scott Gorham, acercándose mucho más al repertorio hard rockero de los Lizzy.

En cuanto a letras, "Ode to a Black Man" es un sentido tributo étnico por parte de Lynott a sus más destacados congéneres raciales, varios de ellos -como es el caso de Jimi Hendrix- influencias patentes en su música. Destacan los nombres de: Mohammed Alí, Malcolm X, Martin Luther King, Jimi Hendrix, Robert Johnson, Bob Marley, Robert Mugabe, Joshua Nkomo, Jomo Kenyatta y Haile Selassie... el black power inmortalizado en la voz de uno de los más grandes genios musicales de todos los tiempos.

sábado, 6 de diciembre de 2014

Patti Smith: Tejedora de Sueños


Además de músico y una de las grandes genialidades del rock de todas las épocas, Patti Smith: la Joan Baez del punk, es una artista integral; poeta, pintora, compositora y escritora. En sus cuatro décadas de carrera -y muy a pesar de ser considerada "la madre del punk rock"- jamás se encasilló en estilos ni posturas particulares, siendo el pacifismo, la defensa de la naturaleza y el pancartismo libertario aquello que mejor la definen y, dicho sea de paso, con mucho mayor credibilidad que a un Bono, que a un Sting o un Bob Geldof.

Conjunto a su vasta discografía, una veintena de libros completan su aporte al état de l'art de la cultura y el rock, prevaleciendo la influencia de sus amados beatnik: Jack Kerouac, William S. Burroughs, Allen Grinsberg... así como de los eternos arquetipos de la rebeldía juvenil y de la búsqueda: Jim Morrison y Arthur Rimbaud. Lo más reciente en llegar a nuestras manos es el libro Tejiendo Sueños, publicado en los '90 en Estados Unidos para la colección Hanuman Books y que sólo este año nos llega traducido de la mano de la editorial argentina Lumen


A juicio de la propia Smith, por extensión Tejiendo Sueños no debiera ser definido como un libro y ciertamente, por estílo, se acerca más a una plaquette, compendiando en sus 88 páginas y a lo largo de sus 14 capítulos una narrativa que auna cuentos y poemas, basados en experiencias reales de la autora. Tejiendo Sueños comienza narrando la niñez de Patti Smith en un pueblo rural de Chicago y nos transporta tempranamente en un viaje idílico, cargado de recuerdos en blanco y negro con olor a matorral, invierno frío y los espacios abiertos del antiguo EE.UU. que bien describieron Kerouac, John Phillips Marquand y otros tantos escritores costumbristas de comienzos y mediados del siglo pasado.

Con toda libertad poética, Smith repasa sus más íntimos recuerdos de solitaria: tardes de pintura, búsqueda de señales y símbolos tanto en la vida como en el arte abstracto, colección de chucherías, un viejo tocadiscos que recita música que poco o nada tiene que ver con el punk, inclúso con el rock. Entre metáforas, idealismos, sueños e imágenes fugaces, Tejiendo Sueños desnuda el alma de Patti Smith, reseñando su proceso creativo y su excentricidad de artista, así como también su refinada sensibilidad y carismática inocencia. Son páginas que traslucen un júbilo nostálgico y generan gran empatía hacia la compositora de "Horses", reflejada de forma diametralmente opuesta al perfil punky de las grandes ciudades como Nueva York o Londres, de aquellos desarrapados que viven al filo, ajenos al arte y que encuentran más aliciente en el crack o heroína que en la propia vida.

Patti Smith, la beatnik punky o punkie hipster se traza así misma en Tejiendo Sueños como una muchacha de ethos pueblerino, criada y curtida en el Estados Unidos profundo y místico (que poco ha variado desde la prosa de Mark Twain), también como la descendiente de una raza de estoicos pastores irlandeses, amantes de la libertad y de la individualidad, pero apegados sobre todo a la tierra. Es este un manuscrito liviano y agradable, fácil de leer en tan sólo una hora y que cumple con creces el objetivo de Patti Smith de otorgar al lector "una vaga y curiosa alegría". Si las letras fueran notas musicales, Tejiendo Sueños sonaría más como música folk o country que a punk rock, aunque efectivamente pocos puedan entender con mayor propiedad el punk que Patti Smith, viuda además del fundador de MC5: Fred "Sonic" Smith.

viernes, 21 de noviembre de 2014

DETOX: Desenfrenado punk rock beirutí


Beirut, la capital del Líbano es una de las ciudades más hermosas y a la vez caóticas del Mediterráneo. Un enclave de más de 5000 años de historia, en el cual se produce la dialéctica Oriente-Occidente, pero a pesar de todo se vive rápido, el ruido es la norma y disfrutar al tope del día es la máxima existencial. 

Todos corren en Beirut, ciudad donde cabe destacar no existen los semáforos, pero curiosamente ocurren pocos accidentes, de día es la ciudad de los cafés, de los oficinistas marchando a toda prisa sobre sus vehículos y de los ancianos desocupados realizando diarios rituales en mezquitas e iglesias cristianas. De noche la vida nocturna es realmente intensa, los cafés se convierten en pubs, la música de las discotecas retumba por toda la ciudad, se ocultan los religiosos y emergen los jóvenes y paganos citadinos. A toda aquella combinación, propia de una encrucijada cultural histórica, se suman de vez en cuando las secuelas de los altibajos políticos y de los conflictos étnico-religiosos, con bombazos y metrallas que suenan del lado menos próspero de la ciudad, donde viven las poblaciones relegadas de refugiados palestinos y musulmanes pobres. Beirut es toda una Nueva York del Cercano Oriente y en una ciudad de tantos contrastes desde luego ¡no puede faltar el punk!.

La escena local, menos generosa sin embargo que la del rock metálico (para tales efectos recomiendo visitar la Sección Lelahel o descargar la entrañable colección Metal From The Middle East) se inclina más por las atmósferas y los matices electrónicos del neo post-punk que por el sonido abrasivo y/o el pancartismo anárquico del hardcore. Entre los exponentes del "punk duro" en Beirut, destacan DETOX, cuarteto proveniente del cosmopólita barrio de Hamra, liderado por la exquisita vocalista Aida Mukharesh y que recuerda un montón a conjuntos de la factura de D.R.I., The Exploited, Antisect y Nausea; en un amalgama de crust/hardcore/metal que no desentonaría en el más destartalado club de Los Ángeles, ni que tampoco es tan "rareza" en la pujante escena rockera de Beirut.

lunes, 3 de noviembre de 2014

Mike Tramp versiona "Southbound" de Thin Lizzy


El danés, lider de los neoyorkinos White Lion, se atreve con esta versión acústica de un clásico de Thin Lizzy, aparecida en el álbum Bad Reputation de 1977.

Por estos días Mike Tramp se encuentra promocionando su octavo álbum solista Museum, lanzado el pasado mes de agosto y consistente en 10 canciones integramente acústicas. 

El video-cover de "Southbound" rota en YouTube por cortesía de la compañía de audio Apogee Electronics.

domingo, 26 de octubre de 2014

Falleció Jack Bruce, legendario bajista de Cream


A la edad de 71 años dejó de existir ayer quien fuera compañero de Eric Clapton y Ginger Baker en la mítica banda de blues y rock Cream.  El último gran viaje de Bruce será hacia su reencuentro con el eterno, pero casi medio siglo años atrás lo hacía sobre el expreso de la psicodelia, abriendo el portal a un nuevo caudal de sonidos e ideas, que lograrían hacer escuela en la futura generación del rock duro y heavy metal, entre destacados discipulos como Tim Bogert, Phil Lynott, Roger Glover, Geddy Lee, John Deacon y Lemmy.

En tan sólo cuatro álbumes de estudio y un imprescindible registro en vivo titulado Farewell Concert, Cream despidieron la década de los '60 como creadores del hard rock y power trio referencial, el propio Jimi Hendrix los consideró su principal influencia, versionando "Sunshine Of Your Love" siempre que tenía la ocasión, lo mismo The Beatles y The Who, que endurecieron su estílo a la sombra de la actitud de Cream.

Tras el ocaso de Cream, John Symon Asher, mejor conocido como Jack Bruce, realizó también una carrera respetable, en un cocktail de rock, jazz, blues, psicodelia y progresivo que lo mantuvieron activo hasta la actualidad. Una enfermedad del hígado -al parecer asociada a su viejo alcoholismo- fue lo que apagó su vida y acrecentó desde ayer mismo la leyenda. 

Bruce y su hija, la cantante soul Aruba Red

domingo, 12 de octubre de 2014

Richie Kotzen descargó pasión y groove en Viña


Que Richie Kotzen es de sobra uno de los mejores guitarristas actuales y de todos los tiempos, no es un misterio para nadie medianamente embebido en el mundo del rock. Su extendida trayectoria (iniciada con apenas 15 años en 1985), más de una veintena de discos en calidad de solista, su efímero pero contundente paso por grandes hitos del hair metal ochentero como son Poison y Mr. Big, así como sus numerosas colaboraciones con músicos del nivel y prestigio de Greg Howe, Guhtrie Govan, Stanley Clarke, Lenny White, Stevie Salas, Glenn Hughes y Gene Simmons, o su más reciente aventura músical paralela: The Winery Dogs junto a Mike Portnoy y Billy Sheehan, engloban una carrera artística y musical como pocas, llena de creatividad, reinvención y refinamiento rockero. 


Es en los pequeños escenarios donde Richie Kotzen -reconocido, pero distante del mainstream- se reencuentra con su público habitual, el mismo que hace 2 años tuvo oportunidad de verlo tocar en la Batuta y en el Centro Cultural Amanda y que en la semana que se nos va, asistió al Teatro Nescafé de las Artes (jueves 9) en Santiago o a la discoteque OVO del Casino Enjoy en Viña del Mar (sábado 11) para alcanzar el éxtasis sobre un mar de riffs, melodías, baladas, rock intimista (con aura de grunge, soul y blues), zarpadas funky, metálicos y estruendosos solos, buen fiato instrumental, y en líneas generales: una dadivosa muestra de virtuosismo y groove, imposíble de superar.

La de Viña fue -tal vez- una presentación que superó todas las espectativas. El escenario: el diminuto stage de la más célebre discoteque de la ciudad jardín, protagonista privilegiada de la vida nocturna y de los carretes del fin de semana, pero que en términos de rock era hasta ayer un escenario poco probado, salvo quizás para unas cuantas bandas tributo o para las orquestas de año nuevo. A nuestra llegada al casino, pisando las 20:30 hrs, poco hacía notar que en su interior se oficiaría un concierto; apenas unas cuantas chaquetas negras y unos pocos tipos con aretes o poleras con logos de bandas por aquí y allá orbitaban la entrada, las cercanías de la boletería y en la escalera principal, 30 minutos más tarde se permitío el ingreso a la disco, la que no estuvo llena hasta pasadas las 22:00 hrs, momento en que Kotzen y cia deciden tomarse el escenario.



A menos de 40 cm de los músicos, lo primero en llamar la atención es la vestimenta de Kotzen: zapatillas Converse, polera negra y una especie de pantalón corto de pijama, de apariencia más bien graciosa y probable inspiración californiana (conjunto semejante al que viste en el videoclip de "War Paint"), abren la presentación los riffs de "War Paint", punta de lanza del próximo compilatorio que llevará por nombre The Essential. Siguieron luego, maravillosos clásicos como "Love Is Blind", "Walk With Me", "Peace Sign" y "Help Me", alternados con pocas sorpresas, una de ellas "Don't What The Devil Says to Do" y una nueva cancíón -absolutamente heavy rock- titulada "Cannibals". 

Pese a que la presentación fue incendiaria desde el primer segundo, los últimos 20 minutos fueron los más emotivos, sintetizando en 4 o 5 temas toda la solidez del prower trío. Luego de un mágico, extenso y virtuosísimo jam de bajo/batería en el que tuvimos oportunidad de ver al mismísmo Kotzen  dándole a los tarros,  por unos cuantos minutos este despachó a sus acompañantes para interpretar en solitario "What Is?" en versión electroacústica, seguida a coro  por todos los presentes. Aquel, el momento más álgido de la noche vino acompañado del cierre con "Fooled Again" y "You Can't Save Me", apasionadas power ballads, casi tan clásicas en el repertorio de Kotzen como la ya poco interpretada "Remember" o el tema de gracia "Go Faster", con el cual se dió fin al concierto a las 00:01 hrs.

Volviendo al principio, se hace indudable que Richie Kotzen es uno de los mejores músicos de todos los tiempos (compositor, cantante, guitarrista y multiinstrumentista), sin embargo aquella cualidad es extensiva también a la banda soporte, consistente para esta gira en Mike Bennett (baterísta) y Dylan Wilson (bajo), probablemente una de las mejores formaciones que ha acompañado a Kotzen a lo largo de sus casi 30 años de carrera solista. Por su parte, el gran plus del guitarrista radica menos en el virtuosismo que  en todo el caudal de sentimientos que imprime a sus composiciones y a su particular estílo de rock clásico, que trae irremisiblemente a la memoria a otros tan grandes como Chris Cornell, Eddie Van Halen, Nuno Buttencourt, Jeff Beck y Allan Holdsworth SUMADOS, aunque sin perder por  ello ni una gota de originalidad ni de la chispeza que lo hacen único.

domingo, 5 de octubre de 2014

MUSE entran al estudio


Los nativos de Teignmouth, suroeste de Inglaterra, subieron esta fotografía a su cuenta de Instagram, donde se les ve felices de la vida jammeando en el estudio, en el proceso creativo hacia su ya séptima placa.

Según declaró unos días atrás el vocalista/guitarrista Matthew Bellamy, su siguiente álbum "se pondrá heavy" y estará depurado de elementos experimentales tanto electrónicos como sinfónicos/orquestales, que fueron la tónica de The 2nd Law del 2012.

Es de esperar por tanto, un regreso a los tiempos de Absolution (2003) y Black Holes and Revelations (2006) que son -en mi opinión- los dos mejores discos de la banda, un perfecto equilibrio de sus más patentes influencias: la grandilocuencia de Queen, la mística de Radiohead, la demagogia de U2, el rock de estadio y los punzantes riffs del metal de los '90.

Sigue siendo innegable,  sin embargo, que la magia de MUSE radica menos en el estudio, que en sus emblemáticos conciertos, para muestra los caminos conducen a ROMA.


El adiós de Jimi Jamison

El pasado 31 de agosto, un fallo cardíaco apagó la vida del genial Jimi Jamison, ex vocalista de Survivor: aquel combo de hard rock melódico americano que legó grandes éxitos ochenteros como "Eye of the Tiger", "Burning Heart", "I Can't Hold Back" y la hermosa "The Search Is Over", entre muchos otros.

Hace tan sólo un año la banda había realizado una peculiar gira por Estados Unidos y Europa junto a sus dos vocalistas históricos, el carismático Jamison y el intérprete original de "Eye Of The Tiger": Dave Bickler, sumada la versátil guitarra de Frankie Sullivan, único miembro permamente del grupo.

A pesar de que sus inmortales hits siguen activos en la memoria de todo mundo (desde luego, gracias las películas Rocky III y IV), muchos coinciden en que la fama fue un tanto esquiva a Survivor en comparación a otros conjuntos de la época. Por su parte Jimi Jamison tuvo también una carrera fructífera como solista, inmortalizando en los '90 el clásico "I'm Always Here", canción de pop-rock con tíntes cristianos, convertida en banda sonora de la serie "Guardianes de la Bahía", en 2011 se unió a otro grande de la música: Bobby Kimball (ex Toto) lanzando un álbum que fusiona los matices de ambas voces icónicas de la década de los '80. El talento de Jamison tampoco fue privativo de las grandes urbes y  escenarios, prueba de ello es la gira mundial del 2008 que lo tuvo girando por Sudamérica y por pequeñas ciudades como Rancagua, donde tuvimos oportunidad de verlo desplegar su gran voz y carisma en el mítico Bakana.

Las enérgicas melodías y apasionadas composiciones de Jamison, lo decretan inmortal en la escena del hard rock/AOR y es así como lo recordaremos siempre: como una voz sin par, en la misma línea de Graham Bonett y Joe Lynn Turner, un placer para los amantes del hard rock elegante y contundente.


martes, 30 de septiembre de 2014

For Those About to Rock (I Salute You!)


Poco más de dos años han pasado desde el último post que escribí para La Religión del Rock Pesado y aún así este maravilloso blog no deja de sorprenderme. Perdí la cuenta de cuantos correos continúan llegando semanalmente al buzón de stoneresk@gmail.com:  fechas de lanzamientos, datos de tocatas, información de bandas, saludos, sugerencias, los gratificantes ¿por qué no vuelven?, solicitudes para resubir discos, etcétera, todo lo cual satisface enormemente mi alma metalera  y me demuestra que aquellos persistentes 1000 y pico visitantes mensuales, siguen encontrando en La Religión del Rock Pesado un espacio de identidad.

STONERESK, el sujeto que escribe estas líneas y creó el blog impulsado por la pasión y el ocio un frío otoño del año 2007, ciertamente no es el mismo jóven idealista (de veintitantos) de aquel entónces, la treintena tocó su puerta, las cervezas le pasaron la cuenta abultándole la barriga, y el trabajo apenas le deja tiempo para respirar en libertad los fines de semana, sin embargo el metal y el rock lo siguen reactivando a diario con dósis de nueva y vieja música que como siempre, está decidido a compartir en el garito con quienes sepan valorarla.

Probablemente, no se batirán viejos records ni será el blog tan productivo como en el 2011, año en que se superó la marca de un post por día durante todo el año, sin embargo -como ya es costumbre- se dará privilegio a la calidad, al aporte informativo y a la legalidad de los contenidos, respetando en todo momento derechos y alcances de los autores. 


En fin, recordando clásicos estribillos de Whitesnake y Quiet Riot, todo se resume en un "Aquí vamos denuevo" y "ven y siente el ruido", La Religión del Rock Pesado vuelve a emerger de entre las sombras!

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