El hard rock azotó Santiago: grandes presentaciones de S.O.T.O. y The Winery Dogs en el Teatro Cariola

A casi un año de la añorada presentación de los bostonianos Extreme sobre el mismo proscenio, el concierto de ayer en el Teatro Cariola fue una muestra más que extraordinaria de la buena salud y porvenir que esbozan el hard rock y el metal clásico en nuestro país.

Recinto lleno, galería completa y tres de cuatro palcos habilitados. A las 7:30 ingresamos al viejo local de San Diego para abrirnos espacio cerca del escenario, nos encontramos de lleno con un mar de camisetas de The Winery Dogs con las que apenas contrastaban aislados logos de Dream Theater, Metallica, AC/DC, Iron Maiden, KISS, Rush, Motörhead, Black Sabbath o mi polera de Queen. Camino señalado para la superbanda de Richie Kotzen, plato fuerte de la noche.

Pero el entremés, de más está decirlo, no eran simples teloneros y en mi caso -que esperé durante años ver en vivo a su vocalista, a quien considero uno de los míticos en la historia del hard rock/metal- fueron de hecho la primera opción: S.O.T.O. irrumpieron en el escenario cerca de las 20:30 con un setlist que incluye canciones de sus dos discos, sumando varias sorpresas gratificantes.

Refundados como proyecto independiente en el 2014, S.O.T.O. son la culminación de la marca, del estilo y de la enorme trayectoria del cantante Jeff Scott Soto, quien como señalé anteriormente es uno de los grandes íconos del hard rock y del metal clásico. Un rockero infatigable y apasionado por su música, como pocos van quedando en la actualidad.

Saltó a la fama de la mano de Yngwie Malmsteen a mediado de los '80, repitió la fórmula con el guitarrista alemán Axel Rudi Pell en los '90 e hizo una próspera carrera propia, liderando los conjuntos Talisman, Eyes, Takara, Human Clay, Humaninal, Soul SirkUS y W.E.T., junto a músicos consagrados. Voló además tan alto como sus sueños al ser vocalista de Journey en el 2006, posterior a la retirada de Steve Augeri y tributar a Queen con colores propios en el 2003 y el 2012 junto al proyecto Queen Extravaganza, convidado por Brian May y Roger Taylor.

Quienes tengan algo más de edad y sólo un poco de buena memoria, evocarán algunas canciones que marcaron historia en la voz de Jeff Scott Soto, inolvidables para mi generación: "Biker Mice From Mars" (1993), canción de la serie animada Motoratones de Marte o la más popular: "Stand Up", punta de lanza del filme Rockstar del año 2001, protagonizado por Mark Wahlberg. 

Una cita pendiente, sin duda, es la que nos reunió al fin el pasado viernes con Scott Soto y su banda de contertulios, la que incluye por lo demás al superlativo shredder español Jorge Salán que electrificó la atmósfera con sus formidables solos. Los brasileños Edu Cominato (batería) y BJ (guitarra rítimica) son otros dos soldados que tocan con Soto desde hace años, completando el combo el raudo bajista David Z, músico de soporte -años atrás- de la banda de Joan Jett.

A diferencia de los anteriores discos solistas del cantante (medio camino entre el hard rock melódico, el AOR y el hair metal), S.O.T.O. son decididamente una banda metalera, lo cual denotan desde el comienzo con "Freak Show", "Wrath", "Weight Of The World", "The Fall" y "Cyber Masquerade", ramillete de canciones ad hoc para calentar el mosh pit.

Tibios al principio, el público de The Winery Dogs comenzó a contagiarse con el groove de S.O.T.O. al cabo del tercer o cuarto tema y hasta coreó al cantante en baladas como "When I'm Older" y sobretodo en la clásica "I'll Be Waiting" (de su época con Talisman), temazo con el que sellaron el último tercio del concierto, radiografía al legado musical de Jeff Scott Soto.

"I'm The Viking" e "I'll See The Light Tonight" de la era Rising Force con Yngwie Malmsteen, imprimieron un timbre épico a la noche, seguido de un jugueteo entre los músicos, aprovechado por Scott Soto para presentar a la banda y culminar con un gracioso "...and I am George Michael" que sacó varias carcajadas y unas lineas de "Wake Me Up..." en el bajo de David Z, quien también interpretó la intro de "Beat It" con moonwalk incluído.

Edu Cominato hizo lo propio con el "Were Gonna Take It" de Twisted Sister desde los tarros y el guitarrista BJ se la jugó con un fragmento a capella del "Don't Stop Believin' " de Jorney. El infaltable "We Will Rock You" de Queen y el himno metálico de Steel Dragon: "Stand Up", voceado por toda la audiencia, cerraron la velada y Scott Soto (que ha entrado de lleno en sus 50) no se fue sin antes regalarnos dos hermosos falsetes. A esta alturas del concierto muchos ya nos dábamos por pagados.

Pocos minutos después de la bajada de telón de S.O.T.O., a eso de las 22:20, aparecieron sobre el escenario The Winery Dogs rockeando a tope con "Oblivion", el primer corte de su segundo álbum Hot Streak del 2015. La reacción fue inmediata, la manada (cauta hasta la presentación de S.O.T.O.) comenzó a presionar hacia delante en un típico ritual de empujones y saltos.

Un contexto totalmente distinto al vivido en la última presentación de Richie Kotzen en 2014 (en Viña) junto a su conjunto solista: en el ambiente íntimo y placentero de la discoteque OVO, con un repertorio cargado además al sonido del blues, del soul y a las grandes baladas del guitarrista.

Pero esto no se trataba únicamente de Richie Kotzen (otro de mis músicos predilectos), sino de The Winery Dogs, uno de los revivals de hard rock (setentero) más importantes de la última década. La máxima era rockear y así lo hicieron "Captain Love", "We Are One", "How Long", "Hot Streak", "War Machine" y "Empire" fueron la oferta de entrada que animó al mar humano en el sector cancha.

Los primeros acordes de "Think It Over", con Kotzen pasando de la guitarra al piano calmaron un poco la virulencia, seguido de un solo de Mike Portnoy a quien le quedó chica la batería y comenzó a baquetar en los parlantes, en el equipo de grabación y en todo lo que se pilló por delante. Billy Sheehan no se quedó atrás, desplegando un fenomenal solo de bajo a continuación de la muy esperada "The Other Side".

En resúmen, The Winery Dogs son mucho más que una buena banda de rock, son una experiencia que compacta emoción, sonido y mucha técnica en un menú exquisito que fusiona el blues-rock con el hard rock, aderezo de matices funk y un aura de prog setentero. Si a esto agregamos el más puro groove de Jeff Scott Soto y su banda, se tiene por resultado uno de los mejores conciertos en lo que va del año.

Falleció Jack Bruce, legendario bajista de Cream

A la edad de 71 años dejó de existir ayer quien fuera compañero de Eric Clapton y Ginger Baker en la mítica banda de blues y rock Cream.  El último gran viaje de Bruce será hacia su reencuentro con el eterno, pero casi medio siglo años atrás lo hacía sobre el expreso de la psicodelia, abriendo el portal a un nuevo caudal de sonidos e ideas, que lograrían hacer escuela en la futura generación del rock duro y heavy metal, entre destacados discipulos como Tim Bogert, Phil Lynott, Roger Glover, Geddy Lee, John Deacon y Lemmy.

En tan sólo cuatro álbumes de estudio y un imprescindible registro en vivo titulado Farewell Concert, Cream despidieron la década de los '60 como creadores del hard rock y power trio referencial, el propio Jimi Hendrix los consideró su principal influencia, versionando "Sunshine Of Your Love" siempre que tenía la ocasión, lo mismo The Beatles y The Who, que endurecieron su estílo a la sombra de la actitud de Cream.

Tras el ocaso de Cream, John Symon Asher, mejor conocido como Jack Bruce, realizó también una carrera respetable, en un cocktail de rock, jazz, blues, psicodelia y progresivo que lo mantuvieron activo hasta la actualidad. Una enfermedad del hígado -al parecer asociada a su viejo alcoholismo- fue lo que apagó su vida y acrecentó desde ayer mismo la leyenda. 

Bruce y su hija, la cantante soul Aruba Red

Richie Kotzen descargó pasión y groove en Viña

Que Richie Kotzen es de sobra uno de los mejores guitarristas actuales y de todos los tiempos, no es un misterio para nadie medianamente embebido en el mundo del rock. Su extendida trayectoria (iniciada con apenas 15 años en 1985), más de una veintena de discos en calidad de solista, su efímero pero contundente paso por grandes hitos del hair metal ochentero como son Poison y Mr. Big, así como sus numerosas colaboraciones con músicos del nivel y prestigio de Greg Howe, Guhtrie Govan, Stanley Clarke, Lenny White, Stevie Salas, Glenn Hughes y Gene Simmons, o su más reciente aventura músical paralela: The Winery Dogs junto a Mike Portnoy y Billy Sheehan, engloban una carrera artística y musical como pocas, llena de creatividad, reinvención y refinamiento rockero. 

Es en los pequeños escenarios donde Richie Kotzen -reconocido, pero distante del mainstream- se reencuentra con su público habitual, el mismo que hace 2 años tuvo oportunidad de verlo tocar en la Batuta y en el Centro Cultural Amanda y que en la semana que se nos va, asistió al Teatro Nescafé de las Artes (jueves 9) en Santiago o a la discoteque OVO del Casino Enjoy en Viña del Mar (sábado 11) para alcanzar el éxtasis sobre un mar de riffs, melodías, baladas, rock intimista (con aura de grunge, soul y blues), zarpadas funky, metálicos y estruendosos solos, buen fiato instrumental, y en líneas generales: una dadivosa muestra de virtuosismo y groove, imposíble de superar.

La de Viña fue -tal vez- una presentación que superó todas las espectativas. El escenario: el diminuto stage de la más célebre discoteque de la ciudad jardín, protagonista privilegiada de la vida nocturna y de los carretes del fin de semana, pero que en términos de rock era hasta ayer un escenario poco probado, salvo quizás para unas cuantas bandas tributo o para las orquestas de año nuevo. A nuestra llegada al casino, pisando las 20:30 hrs, poco hacía notar que en su interior se oficiaría un concierto; apenas unas cuantas chaquetas negras y unos pocos tipos con aretes o poleras con logos de bandas por aquí y allá orbitaban la entrada, las cercanías de la boletería y en la escalera principal, 30 minutos más tarde se permitío el ingreso a la disco, la que no estuvo llena hasta pasadas las 22:00 hrs, momento en que Kotzen y cia deciden tomarse el escenario.

A menos de 40 cm de los músicos, lo primero en llamar la atención es la vestimenta de Kotzen: zapatillas Converse, polera negra y una especie de pantalón corto de pijama, de apariencia más bien graciosa y probable inspiración californiana (conjunto semejante al que viste en el videoclip de "War Paint"), abren la presentación los riffs de "War Paint", punta de lanza del próximo compilatorio que llevará por nombre The Essential. Siguieron luego, maravillosos clásicos como "Love Is Blind", "Walk With Me", "Peace Sign" y "Help Me", alternados con pocas sorpresas, una de ellas "Don't What The Devil Says to Do" y una nueva cancíón -absolutamente heavy rock- titulada "Cannibals". 

Pese a que la presentación fue incendiaria desde el primer segundo, los últimos 20 minutos fueron los más emotivos, sintetizando en 4 o 5 temas toda la solidez del prower trío. Luego de un mágico, extenso y virtuosísimo jam de bajo/batería en el que tuvimos oportunidad de ver al mismísmo Kotzen  dándole a los tarros,  por unos cuantos minutos este despachó a sus acompañantes para interpretar en solitario "What Is?" en versión electroacústica, seguida a coro  por todos los presentes. Aquel, el momento más álgido de la noche vino acompañado del cierre con "Fooled Again" y "You Can't Save Me", apasionadas power ballads, casi tan clásicas en el repertorio de Kotzen como la ya poco interpretada "Remember" o el tema de gracia "Go Faster", con el cual se dió fin al concierto a las 00:01 hrs.

Volviendo al principio, se hace indudable que Richie Kotzen es uno de los mejores músicos de todos los tiempos (compositor, cantante, guitarrista y multiinstrumentista), sin embargo aquella cualidad es extensiva también a la banda soporte, consistente para esta gira en Mike Bennett (baterísta) y Dylan Wilson (bajo), probablemente una de las mejores formaciones que ha acompañado a Kotzen a lo largo de sus casi 30 años de carrera solista. Por su parte, el gran plus del guitarrista radica menos en el virtuosismo que  en todo el caudal de sentimientos que imprime a sus composiciones y a su particular estílo de rock clásico, que trae irremisiblemente a la memoria a otros tan grandes como Chris Cornell, Eddie Van Halen, Nuno Buttencourt, Jeff Beck y Allan Holdsworth SUMADOS, aunque sin perder por  ello ni una gota de originalidad ni de la chispeza que lo hacen único.

Ram Jam - "Black Betty" (1977)

The Experience - Hey Joe/Sunshine Of Your Love (1969)

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Videografía musical de Jeff Beck + Amigos

Como diría mi profesor de música en el colegio: pocos guitarristas hay que le hagan el peso a Jeff Beck, opinión a la que yo también he adherido con el pasar de los años, al punto de considerarlo el número 1 en mi lista de predilectos y es que mucho más allá de su militancia en el rock clásico, para Beck nunca existieron fronteras en la música, siendo uno de los primeros en abordar los decibeles del heavy metal, el más avezado guitarrista experimental, de los más completos instrumentistas de blues-rock y jazz fusión y por cierto, un gran compositor pop. Tan versátil es Beck que hasta nos sorprendió el mes pesado versionando en vivo un tema de Lady Ga Ga.

La prima influencia de grandes tan GRANDES como Brian May, Ritchie Blackmore, Tony Iommi, Steve Morse y Eddie Van Halen, ha compartido en el curso de sus varias décadas de trayectoria escenario con otras muchas leyendas: Stevie Ray Vaughan, Mick Jagger, B.B. King o Les Paul, además de sumar en sus andanzas a Eric Clapton, Carmine Appice, Rod Stewart, Jennifer Batten y Cozy Powell. Son cerca de 50 años en la música, aportando nivel y vanguardismo, gestión trascendente registrada en una veintena de discos y un centenar de presentaciones en vivo, de entre las cuales un fan decidió compilar ciertos momentos especiales (a traves del editor de YouTube) y ofrecerlos en un material titulado: Jeff Beck and his TREMENDOUS FRIENDS (A must see for Jeff Beck Fans).

Deléitate y sumérgete en la viva historia del rock 'n' roll.

Viernes 21 de octubre (Valencia, España): The Steepwater band + Kaiser Sozé

Una noche de buen rock clásico y bluesero es la que deparan para el próximo viernes, nuestros amigos de Albacete: Kayser Sozé, en compañía de los norteamericanos -provenientes de Chicago- The Steepwater Band, dueños de una frondosa discografía que combina guiños al rock sureño de Lynryd Skynryd, al blues y el blues-rock en su más pura tradición de los '60 y '70.

The Steepwater Band han cruzado el charco para promocionar su nuevo disco: Clava, mientras Kaiser Sozé preparan por estos días el lanzamiento de su tercera placa.

Ambos monstruos del sonido "retro" se darán cita a las 23:00 hrs en Durango Club de la ciudad de Valencia. Valor entradas: 15€ (Anticipada), 18€ (Taquilla).

Revisa nuestra entrevista del 1 de febrero
realizada a Kayser Sozé

Cynic - "Carbon-Based Anatomy" (Descarga gratuita)

Los complejos y virtuosos Cynic lanzaron hoy su nueva placa: un EP de seis temas titulado Carbon-Based Anatomy, del cual dispusieron la descarga gratuita del tema homónimo. "Carbon-Based Anatomy" es una estupenda pieza de seis minutos, adornada por diversos elementos, que van de lo atmosférico al neo-prog.

RETROspectiva: Mahogany Rush - "Talkin' Bout A Feeling" (1972)

Como otros tantos guitarristas de su generación, Frank Marino alucinaba con tocar como Jimi Hendrix y fue tal vez el mejor encaminado a lograrlo. Nacido en Montreal (Canadá) en 1954, su contacto con las seis cuerdas fue a muy temprana edad, inducido por su padre: un inmigrante italiano. Más tarde descubriría el jazz, el blues y el rock, unificándolos bajo su particular toque que además de replicar las influencias duras de Hendrix, articulaba nuevas improvizaciones, matizando con extendidísimos e intrincados solos, cercanos al estílo jazz/fusión.

Desde su fundación en 1969, una extensa lista de músicos formaron parte de Mahogany Rush, que en términos pragmáticos no es mucho más que la banda soporte de Marino. Sin embargo una de las formaciones más gloriosas fue la conformada en los primeros '70 por Paul Harwood (Bajo), Jimmy Ayoub (Batería) y el virtuoso Marino en guitarra y voz; un power trío de aquellos, que abarcaba desde el metal al progresivo, pasando por sonoridades boogie y funk y que nos legó varios directos y algunos de los mejores registros en estudio de la banda, como son Strange Universe, What's Next, Child Of The Novelty y el debút discográfico de 1972: Maxoom, de donde extrajimos el stream de esta RETRO.

Pese a que la fama, el reconocimiento e inclúso los peculios, fueron un tanto esquivos a la figura de Frank Marino y su sempiterno grupo Mahogany Rush, no podemos desconocer el tremendo potencial y calidad que irradia su discografía, complacencia absoluta para los amantes del legado hendrixiano y de las viejas glorias del hard rock de los '70.

Hace 41 años

Toda leyenda de la música transita por la dimensión de la atemporalidad, una que trasciende la sujeción al tiempo y el espacio, que son planos mortales... Pienso en el poema "Los Inmortales" de Herman Hesse y dicha descripción enfocada fundamentalmente en la figura de Mozart, cobra también sentido en el caso de genios contemporáneos como Jimi Hendrix, quien a cuatro décadas de haber ejecutado el último riff sigue más presente que nunca... Expirarán mucho antes nuestros latidos -y los de algunas generaciones venideras- que los gloriosos acordes de "Hey Joe", "Little Wing", "Purple Haze", "Ezy Rider" o "Voodoo Chile".

Cuesta creer que al momento su muerte, con apenas 27 años, ya había alcanzado la plenitud creativa y sin haberselo propuesto quizás, en su paso por la vida cambiaría para siempre el rumbo de la música. Hendrix no sólo trajo evolución al rock desde el blues, fue definitivamente el creador del sonido heavy metal, arquetipo de guitarrista en el que quiso verse reflejada gente como Jimmy Page (Led Zeppelin), Tony Iommi (Black Sabbath) o Ritchie Blackmore (Deep Purple), manteniendo vigente el legado eléctrico hacia la siguiente generación de recambios musicales.

En el finiquito de los '60, a la par del conflicto de Vietnam (que obedece a los formulismos ideológicos de la Guerra Fría), el mundo sigue atento la lucha política del pueblo afroamericano por alcanzar la plena igualdad de derechos constitucionales y la dignificación social. Desde el plano ideológico, es el Dr. Martin Luther King quien siembra un camino de gloria hacia la integración de la gente de color, aunque no alcanza a ver los logros, dado que es asesinado el año '68. Por el lado de la cultura, fue sin duda Jimi Hendrix el principal portavoz de esa lucha, aunque sus medios no son las armas como en el caso del movimiento Panteras Negras ni la demagogia del político o del humanista, su único medio fue la guitarra, su discurso la música, su plus: ser el mejor ejecutor de una Fender Stratocaster que haya conocido la historia.

Es increíble el hecho de que alguien que sólo vivió 27 años y que murió hace 41 siga siendo exaltado como una de las personalidades más influyentes de nuestra era. Hace 41 años, un día como hoy, falleció el hombre, soterrado caudillo de la lucha afroamericana que con la música transmitió muchas más emociones e ideales que mil pancartas. Un enviado de los dioses para unir al mundo en rock 'n' roll y para reafirmar la cuantía del blues como gran legado africano en la cultura norteamericana, la música de un pueblo pisoteado que transformó los bríos esperanzadores del gospel en la icónica rebeldía de un Robert Johnson y en el estílo de vida alienado de los músicos del Delta.

Hace 41 años, quedó registrada también una de sus últimas -monumentales- presentaciones en vivo: la del 30 de julio de 1970 en la isla de Maui (Hawai). Concierto espléndido que hace alarde de toda la imaginería hippie y que gracias a la magia de YouTube, quienes no lo hayan visto podrán disfrutar íntegramente. Hoy 18 de septiembre, aniversario de la patria en Chile, corresponde conmemorarlo también como el día en que partió uno de los más grandes, mulato mágico y eterno jóven de 27 años, el único e insuperable JIMI HENDRIX.-

Las raíces árabes del Jazz y el Blues (Gunnar Lindgren)

Post compartido con La Bitácora Liberal

La música es mucho más que ritmo, compactación de sonidos y coherencia harmónica, es una expresión sociológica y cultural como cualquier otra manifestación del arte, ligada desde luego a la historia, las costumbres de una época, visión del mundo de un colectivo determinado y un delimitado espacio físico-temporal. Carga también un discurso que corre tanto por dentro como fuera de ella y que desde luego es importante analizar, ya que como expresión subversiva la música constituye también una vehiculización importante de los sentimientos, las angustias y de los ideales.

Desde tiempos inmemoriales la evolución de las expresiones musicales en el mundo han estado sujetas al proceso de globalización, el cual desde luego no es nada reciente. No me es difícil imaginar por ejemplo que la banda de guerra de las tropas romanas fuera replicada con exactitud rigurosa en cada una de las comarcas dominadas por el imperio, desde las Galias al antiguo Egipto, así mismo los ritmos que heredaran las culturas "hispanizadas" del continente latinoamericano están provistos de aportaciones europeas de la más ignota tradición a la par de una extensiva influencia árabe (o más bien morisca) bastante fuerte en el sur de España de donde provino la gran masa de nuestros conquistadores.

España es parte del micromundo Mediterráneo y por tanto no es de extrañar aquel vínculo cultural/musical, de igual manera que la Tarantela en el sur de Italia o la música folclórica de Grecia y los Balcanes reflejan bastante semejanza a ritmos como el Chabi de Noráfrica o el Dabke de Medio Oriente.

Hoy no es un misterio para nadie que la Cueca, la Zamacueca y hasta en algo también la Samba carioca están provistos de una extravagante mezcla de influencias hispano-árabe (el Flamenco), indigena americana y africana. De lo que no muchos estabamos al tanto, sin embargo, es de una posíble conexión árabe en las raíces de la música afro-norteamericana; teoría que sin duda revoluciona completamente el actual estadio de conocimiento, dado que la música popular afroamericana (jazz y blues) es la base de toda la música contemporánea, el Blues por ejemplo fue padre de todas las vertientes del Rock, los improves del Jazz evolucionaron hacia estílos tan diversos como el Funk, el Reggae o el Ska y la constante generación o busqueda de nuevos sonidos en muchos casos consiste en revisitar las bases del jazz y el blues.

De dar crédito a este bien detallado argumento del músico y musicólogo sueco Gunnar Lidgren, nada menos que un siglo completo de música occidental tendría su razón de ser (como otras muchas materias ligadas a la cultura y a la ciencia) en los avanzados aportes del Mundo Árabe Medieval, una realidad que desde luego el actual historicismo y determinismo occidental pretende hacernos olvidar.

Las culturas islámica y árabe han tenido mucha más importancia en África de lo que la mayoría de la gente imagina. Los esclavos originarios de África Occidental provienen de países con distintos patrones de cultura árabe. La tercera descendente, característica tanto de las canciones de África occidental como de los blues, debe vincularse a la tradición musical árabe.


Gunnar Lindgren

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El blues más triste ha sonado: Falleció Gary Moore

6 de febrero de 2011, día tristísimo para el mundo de la música: el máximo estandarte actual del blues y del rock, el irlandés Gary Moore, fue encontrado muerto en su hotel de Málaga, dónde disfrutaba de unas vacaciones, según informan a esta hora los medios españoles.

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Ya en vida, Gary Moore fue una leyenda, ícono transgeneracional, que a sus 58 años hizo más que ninguno por la música y por reactivar el legado de los grandes músicos afroamericanos de mediados del siglo pasado. Su paso por Thin Lizzy, donde trabó sólida amistad con el gran Phil Lynott, así como su amplia e intermitente discografía, sus presentaciones por todo el mundo y sus dúos con grandes luminarias del blues como BB King, Albert Collins y Albert King, respaldan esta impronta que lo hicieron tan único.

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Hasta siempre Gary!, tu música no dejará de sonar en mis auriculares, así como tus videos y DVD's seguirán siendo exigidos por mi mente sedienta de buena música. Sólo lamento no haber cumplido el sueño de haberte visto tocar en vivo, pero en fin, hoy ha sonado el blues más triste desde la muerte de Jimi Hendrix.

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Janis, más viva que nunca

Hoy 4 de octubre de 2010, se cumplen nada menos que cuatro décadas de la muerte de Janis Joplin, uno de los dos sucesos lamentables que marcarían para siempre la historia del rock aquel funesto año de 1970, en el cual también nos abandonaría al mes siguiente el gurú de los acordes: Jimi Hendrix y a los pocos meses del siguiente año, el mítico vocalista de los Doors, Jim Morrison, en los tres casos contando apenas 27 años de edad.
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Janis fue sin duda un importante eslabón en la evolución de la música popular en plena era de cambios y busqueda de nuevas identidades. Lo suyo fue principalmente el blues blanco matizado con influencias psicotrópicas y un desplante y actitud más abrasiva, con la cual pavimentaría los caminos al hard rock y el metal más rudimentario, donde militaron varias bandas de la siguiente generación influenciadas por su voz y actitud: Zephyr, Led Zeppelin, Groundhogs, Aerosmith y Heart entre muchos otros.
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Contraste de virtuosismo musical y baja autoestima, Janis fué más consciente de sus potencialidades en el escenario que de su sensualidad, algo que de todas maneras le brotaba de manera natural a la vez que descargaba su energía en el canto. Y así la recordamos 40 años más tarde, extendiendo el registro de su corta y enigmática existencia en videos, canciones y discos, pintados por el blanco y negro de la nostalgia. Janis, cual alma creativa fue capaz de convertir frustraciones en canciones y expandir un mensaje de amor, paz y libertad más duradero que el propio hippismo de la década en la que floreció y la terminó consumiendo, hoy, me atrevo a decir: está más viva que nunca.

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Carlos Santana rinde tributo a los clásicos del hard-rock

Aunque debo ser uno de los pocos en reconocer que no me quemo para nada con la música de este veterano guitarrista chicano, y lo que es más: nunca en mi vida he escuchado completo alguno de sus discos, no puedo desconocer que este señor es uno de los más grandes (e imprescindibles) maestros del rock clásico.
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Y como clásico que es, Santana de 63 años, quiso rendir tributo a algunos de sus contemporáneos y también sucesores, teniendo listos los temas de su próximo hit, el veinteavo álbum de estudio: Guitar Heaven, The Greatest Classics Of All Time armado con covers de grupos como The Beatles, AC/DC, Led Zeppelin, Van Halen y desde luego, su referente máximo: Jimi Hendrix.
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Le acompañan en las voces varios músicos destacados como Gavin Rossdale de Bush, el blues-man Joe Cocker y Chris Cornell, el álbum ya puedes escucharlo a través de AMAZON, y este es su tracklist oficial:

1. Santana + Chris Cornell - "Whole Lotta Love" (Led Zeppelin)
2. Santana + Scott Weiland - "Can't You Hear Me Knockin'" (The Rolling Stones)
3. Santana + Rob Thomas - "Sunshine Of Your Love" (Cream)
4. Santana + India.Arie - "While My Guitar Gently Weeps" (The Beatles)
5. Santana + Chris Daughtry - "Photograph" (Def Leppard)
6. Santana + Nas - "Back In Black" (AC/DC)
7. Santana + Chester Bennington - "Riders Of The Storm" (The Doors)
8. Santana + Jacoby Shadix - "Smoke On The Wather" (Deep Purple)
9. Santana + Pat Monahan - "Dance The Night Away" (Van Halen)
10. Santana + Gavin Rossdale - "Bang A Gong" (T. Rex)
11. Santana + Joe Cocker - "Little Wing" (Jimi Hendrix)
12. Santana + Jonny Lang - "I Ain't Supertitious" (Howlin' Wolf)

Band Of Joy: Robert Plant retorna al blues

Fuente: RafaBasa.com

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El ex Zeppelin vuelve a la carga, a tres años del lanzamiento de su último álbum como solista, el más experimental y nada despreciable Raising Sand, junto a la cantante de música country Alison Krauss.

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Band of Joy marcará un retorno a las clásicas sonoridades del blues y blues-rock, abordadas por última vez en el Walking into Clarksdale de 1998 o en la provisional reunión de Led Zeppelin el 2007.

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El nombre del disco corresponde al conjunto del cual Plant era vocalista antes de saltar a la fama con los Zeppelin, en tiempos que se comenzaba a hablar del británico como la versión masculina de Janis Joplin. Los 12 temas que le constituyen fueron grabados en el plaso record de 15 días, pero estará a la venta sólo a partir del 13 de septiembre. De todas maneras, se develó ya su portada:
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Noche de emociones junto a ZZ Top en el Arena Santiago

Una increíble jornada de blues-rock fue la montada ayer en el estadio Movistar Arena, los protagonistas nada más ni nada menos que la banda más aclamada e importante del rock sureño: ZZ Top. La previa, una sobrebia apertura de parte de los teloneros: el power trío nacional Harrison Blues (en adelante un nombre a considerar en mi lista) y los ya consagrados El Cruce, además de un agradable número de camisetas mojadas, relativo al show que los ZZ ostentan en todo el mundo. 

En ocasión de los 21 años de Radio Futuro y anexo a una gira sudamericana que comenzó en Santiago y seguirá en Argentina y Brasil, el histórico power trío texano conformado por Billy Gibbons (guitarra), Dusty Hill (bajo) y Frank Beard (batería) instaló su particular groove bluesero sobre el escenario capitalino e hizo moverse a medio mundo abriendo con "Going Me Under Pressure", seguido de unos cuantos temas de su repertorio más boogie.

Tras un breve intervalo en el cual una de las dos chicas (producto nacional) que participó en el acto de las camisetas mojadas sube al escenario para coquetearle a un enjuto Gibbons y en el que este aprovechó de bromear un poco, inicia la segunda parte de la presentación: más bluesera e intimista, hasta dar en el pie con una estupenda versión del "Hey Joe" de Jimi Hendrix. A estas alturas del concierto los tres músicos hacen gala de sus superioridades instrumentales.

Si alguna vez se corrió el rumor de que ZZ Top son marcianos, ayer mismo yo terminé por creermelo, y es que además del estrindente brillo cromático del bajo de Dusty Hill, su técnica y voz, como dicen los viejos: me volaron la cabeza, lo mismo que la voz y potentes solos de Billy Gibbons, no por poco la influencia más importante del difunto Dimebag Darrell.

Cerraron el show los tres clásicos más esperados de la noche: "Viva las vegas", "La Grange" y "Tush", único momento en que se desataron el mosh pit y la algarabía de los presentes. Como balance final: una presentación redonda que deja en buena posición a los exponentes nacionales del género y la con la sensación de que ZZ Top son, perdonando el cliché, son como el vino mismo, 40 años de carrera, las barbas enblanquecidas, limitado desplazamiento sobre el escenario, pero en bajo, guitarra y batería, definitivamente no existen dos bandas iguales.

El gran recordado de la noche: Ronnie James Dio, quien hace exactamente un año se montara sobre el mismo escenario junto Heaven & Hell

Hace 54 años: el debút discográfico que transformó el mundo de la música

Un día como hoy: 23 de marzo, pero 54 primaveras atrás, se abría camino de la mano de RCA Victor, la frondosa carrera musical del "Rey del rock", el también padre del rockabilly, y mejor intérprete blanco de baladas, gospel y blues de los años cincuenta y sesenta, símbolo transgeneracional de la música norteamericana: Elvis Aaron Presley, "The Pelvis".

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Jóven white trash, de naturaleza conservadora y apegado al cariño de la madre, pero lo suficientemente rebelde como para escapar al racismo de la época y volcarse con agrado a las influencias de la rica subcultura musical afroamericana de la ciudad de Memphis. Su temprana biografía es de por sí sorprendente, nacido en la cuna de una familia americana de herencia mixta: escocesa, irlandesa, noruega, alemana, cherokee, sefardita y gitana (según ciertas pesquizas históricas a la genealogía Presley), llegó al mundo el 8 de enero de 1935, junto a un hermano gemelo que no logró sobrevivir al parto, hecho que habría afectado notoriamente su temprana vida y gatillado la excesiva protección materna, cuya posterior muerte (en pleno apogeo de su éxito) demolió al artista y sembró el alud de su carrera, agudizándose de paso su adicción a las drogas y al consumo indiscriminado de fármacos y tranquilizantes que le llevaron a la muerte en 1977.

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La fascinante historia de este camionero de Tupelo, Mississipi, que de improvizo llegó a convertirse en el máximo ídolo de la música popular del siglo XX, es conocida por prácticamente todo el mundo. Algunos atribuyen su éxito al solo hecho de ser un hombre blanco que imitaba a los verdaderos artistas afroamericanos de r&b, blues y el temprano rock & roll, otros como Little Richard se siguen auto-vanagloriando de haber sido mucho más que Elvis en su época, aunque aquello es bastante dudable.

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Lo cierto es que Elvis fue, es y seguirá siendo un fenómeno musical de masas, el artista predilecto de las más variadas generaciones a lo largo y ancho del planeta y a quien se le continue achacando los genes del rock & roll, género que ayudó a forjar desde lo más profundo de su alma, conectando un incondicional amor por la música a la innovación e impulso juvenil, propios de la era de las "beat bands". Cinco décadas después del debút, Elvis ha pasado a ser de un gurú de la música popular, al simbolo mismo del rock y su influencia directa aún es muy perceptible, ahí donde haya músicos con actitud, desde Jim Morrison de The Doors a Glenn Danzig, pasando por Ian Gillan, Billy Idol, Bob Seger, Morrisey, Sandro y hasta versiones mucho menos afortunadas, como el kitsh nacional René de la Vega.

Lee Aaron: El ántes y después de la reina del metal

Hace ya casi 30 años, esta canadiense natural de Ontario, tuvo el mainstream rockero a sus pies. Los medios musicales atestados del pomposo sonido de Ratt, Poison, Motley Crue, Twisted Sister y Kiss la elevaron a la categoría de "diva" del rock duro a partir de sus dos primeros clásicos The Lee Aaron Project (1982) y Metal Queen (1984), cuyos principales singles rotaron largo tiempo en MTV.

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Nacida en 1962, bajo el nombre de Karen Lynn Greening comenzó sus andanzas en el mundo de la música con apenas 15 años, con más actitudes (en ese entónces) para la música pop que para el rock. A finales de la década de los '70 entra a formar parte de una banda ya constituída: Lee Aaron, nombre que no tardaría en adoptar como su alter ego. Los giros de la vida y de la música, usualmente son muy extraños y Karen Lynn Greening que llegó a convertirse en el miembro más visible de la banda, termina por distanciarse del resto de los componentes e incia su carrera en solitario llevandose el nombre artístico.

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Su primer disco, The Lee Aaron Proyect fue friamente recibido por la prensa musical de la época, pero tuvo alta aceptación en el circuito under canadiense. A la salida de Metal Queen en 1984, su fama había tocado el cielo, y el público comenzó a llamarla "la reina del metal" en honor al nombre de su segunda placa y a la música que desplegaba, algo similar a lo que había ocurrido cuando literalmente se "encabronó" con el nombre de la banda en 1980. Casi tres décadas después aún se le recuerda como "la reina del metal" ochentero.

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En los años frescos de Metal Queen, giró por Estados Unidos, Canadá y Europa, invirtiendo buena parte de lo recaudado en su tercera placa Call Of The Wind de 1985, la que lamentablemente si bien no fue un fracaso, no consiguió el éxito esperado y estuvo muy por debajo de los estándares de Metal Queen. Hacia 1987 lanza un álbum homónimo que tampoco logra gran repercusión, razón que podría haber hecho desistir a cualquiera, menos a la reina del metal que en 1989 vuelve a la carga con Bodyrock, recibiendo esta vez premiaciones y reconocimiento como una de las mejores vocalistas femeninas de la década.

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A principio de la década de los '90 a artistas como Lee Aaron les fue muy dificil mantener el interés de las tribus rockeras en gestación, por todo el recambio generacional y la escalada de la música alternativa impuesta a las discográficas a raíz de la emergencia de bandas como Garbage, Smashing Pumpkins y Nirvana que captaron el interés popular. Lee Aaron lanzó un disco más en la misma línea de hard rock melódico/AOR que la hizo popular en los '80: Some Girls Do (1991), pero como resultaría evidente no tuvo la acogida esperada.

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Rendida ante la evidencia de que los nuevos géneros habían arrasado con el reinado del glam metal, Lee Aaron vuelve a ser Karen Lynn y constituye una nueva banda, esta vez de rock alternativo a la que llama 2preciious. No logró el prestigio de antaño, pero al parecer esta nueva experiencia le ayudó a expandir sus horizontes musicales, extendiendo sus influencias del rock/pop al jazz. A mediados de la década, Lee Aaron se reinventa, vuelve a encarnar el nombre que la hizo popular diez años ántes, pero esta vez lejos del salvajismo adolescente que la destacó como una digna heredera de The Runaways.

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Ad portas del nuevo siglo, la otrora reina del metal, se convierte en cantante de jazz, tratando de aunar ambos mundos, producto de lo cual surgen Slick Chick (2000) y Beautiful Things (2004). Según declaró tiempo atrás a una revista, gran parte de su evolución musical tuvo que ver con la madurez y su progresiva transformación desde una arqueotípica "chica rebelde" de la loca década de los ochenta a la mujer madura y madre de dos hijos que es hoy en día.

.Con el sacrilegio de haber dejado de ser la reina del metal, Lee Aaron de seguro se ganó el descontento de varios "talibanes del rock" o "fundamentalistas de la música", aquellos que ven en la expansión de sus ídolos por nuevos géneros, una traición a los principios musicales, tal cual la música se tratara de una peligrosa ideología.

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Como sea, Lee Aaron fue y será recordada siempre como la reina del metal, apelativo que se ganó por aclamación popular en la gloriosa década. Cada generación tiene su propia reina (o tal vez más de una), siendo relativamente pocas las que pasado el tiempo se atreven a salir de las trincheras del género metálico, temiendo la lapidación definitiva. Los géneros van y vienen, la música que nace del alma en un determinado momento (y sin presiones) es lo que queda, Lee Aaron, Kari Rueslåtten y Anneke van Giersbergen, entre muchas otras, así lo han demostrado.

Valleys Of Neptune: 60 minutos inéditos de Jimi Hendrix

Fechado para principios de marzo, un nuevo álbum de canciones inéditas del gurú de las seis cuerdas Jimi Hendrix, aguarda su salida.

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Más de cuarenta años después, el prodigioso ingeniero de sonido Eddie Kramer quien produjera junto a Hendrix el imprescindible Are You Experienced? (1967) se posiciona nuevamente del panel haciendo las mezclas correspondientes para este compendio de temas grabados entre 1967 y 1970, la fase más creativa del guitarra afroamericano y lamentablemente también la última.

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El tracklist de Valleys Of Neptune es el siguiente:

1. Stone Free
2. Valleys of Neptune
3. Bleeding Heart
4. Hear My Train A Comin’
5. Mr. Bad Luck
6. Sunshine Of Your Love (original de Cream)
7. Lover Man
8. Ships Passing Through The Night
9. Fire
10. Red House
11. Lullaby For The Summer
12. Crying Blue Rain

Evidentemente no todos los temas son inéditos, pero es de esperar nuevas mezclas para cada uno de ellos. De manera que Valleys Of The Neptune, se sumará este 2010 (y en los años que siguen) a una serie de tributos, reediciones, antologías y hasta una próxima película inspirada en la vida de quien fuera uno de los más geniales guitarristas de blues/rock de todos los tiempos, la piedra angular del rock eléctrico, el padre de todos los guitarristas de rock duro y heavy metal que se precien, y en particular de los más virtuosos. Para quien no llegó a vivir más de 27 años, resulta increíble que haya creado un legado tan magnificente que ha trascendido generaciones, continúa vivo en la nueva década y muy probablemente supere el umbral del fin del mundo que los mayas predijeron para tan sólo un par de años más. Ya lo he dicho ántes y no es desconocido por nadie: Jimi Hendrix es inmortal!.

El rey del blues tocará en Chile 27/03/10

En el trayecto sudamericano de su gira de despedida, el bluesman más legendario desde Muddy Waters, inspirador de Hendrix, Gary Moore, Eric Clapton, Keith Richards, Stevie Ray Vaughann, Jeff Beck y Angus Young, entre muchos otros, pasará por Brasil, Argentina y Chile, trayéndonos la magia eléctrica de su Gibson negra.

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Será quizás la única posibilidad en la vida que tengamos de ver en acción a B.B. King, uno de los grandes músicos del siglo XX, cuyo género es la base de todo lo que se conoce hoy en día, comenzando desde luego por el heavy metal y el hard rock. Su presentación en el país será en el Teatro Caupolicán y el valor de las entradas oscila entre los $28.000 y $150.000 pesos. Todo un suceso.