Halestorm - "All I Wanna Do..." (Heart's Cover)

-

RETROspectiva: The Doors - "Five to One" (1968)

 

Descifrar la composición de The Doors es sumirse en un laberinto de símbolos e interpretaciones (tantas como mande la subjetividad de cada oyente), nadar en el más oscuro charco de poemas provenientes del subconsciente y estados de mente alterados. The Doors fue principal pancarta de un hippismo anti-hippie y de una revolución musical, artística, moral, intelectual y hasta política que en un lenguaje condensado de blues, rock, pop, jazz, cannabis, LSD y la influencia de turbados litaratos como Rimbaud y Jack Kerouac llevó la psicodelia y el rock ácido al siguiente nivel, definiendo a nivel de prototipo los parámetros futuros del rock duro y del punk. En plena era de las flores, de las tomas universitarias, de las masivas movilizaciones por la igualdad cívica y del duro cuestionamiento popular a la Guerra Fría y Vietnam, suspicaces y excépticos, The Doors -y en particular Jim Morrison- tejieron la filosofía del "junkie", aquel sujeto desencantado y autodestructivo que percibiendo el mundo al borde de un abismo, no le hace el quite ni lo condena, sino por el contrario se deja llevar y hasta dirige la batuta de los mutilados psíquica y espiritualmente. No extraña en tanto, su temprana muerte a los 27 años, en la cúspide más absoluta de su carrera musical.

Tras la muerte de Morrison en 1971, los tres miembros supervivientes (Ray Manzarek/tecladista, Robby Krieger/guitarrista y John Densmore/baterísta) intentaron durante un par de años mantener vigente el nombre de The Doors, lanzando en medio un par de discos nada convincentes. No lo lograron en aquel primer momento ni tampoco llegarían tan lejos en futuras reuniones, pero quienes sí recogieron en buena medida el legado de Jim Morrison son sus más variopintos seguidores y personalidades del rock como Alice Cooper, Iggy Pop, David Bowie, Stiv Bators (Dead Boys), Phil Lynott, Billy Idol, Ian Curtis (Joey Division), Ian Astbury (The Cult), Glenn Danzig, Mark Lanegan (Screaming Trees), Andrew Wood (Mother Love Bone), Eddie Vedder y hasta Enrique Bunbury (Héroes del Silencio), quienes en diferentes épocas y desde las más variadas aristas musicales lograron perpetuar y replicar algo de la gesta, actitud, mística o su particular tono de voz. Ian Astbury y Eddie Vedder llegaron inclúso más lejos, atreviéndose a calzar los zapatos del mártir rockero, tocando codo con codo con el resto de los Doors.

En 1968 The Doors publicó Waiting For The Sun, una de sus más célebres placas, amparada del favoritismo de quienes hacemos La Religión del Rock Pesado. Figuran en ella grandes clásicos de la psicodelia como "Hello, I Love You", "Not Touch the Earth", "Spanish Caravan", "My Wild Love", el llamado anti-bélico de "The Unknown Soldier" y una increíble canción al cierre titulada "Five to One" que destaca por transitar de la psicodelia al heavy metal en completa analogía con la era musical tratada (1968 a 1969), misma que vió florecer para luego desaparecer a Jimi Hendrix y Cream, propició el White Album de The Beatles y el Tommy de The Who, una era de distorcionadores y riffs a tope y del más cruento realismo devastando al fin frágiles muros de discursos utópicos y felicidad convertida en bien de consumo. A la vuelta de esa turbulenta esquina gritaron a todo pulmón kick out the jams!!! los MC5 como metáfora de un instante solemne, la muerte declarada de los años '60.

Nuevos videos: The Cult, Prong, Epica y Arch Enemy

.

Próximos a lanzar su noveno álbum de estudio (titulado Choise Of Weapon), los clásicos del hard británico: The Cult, nos adelantan un primer videoclip, correspondiente al tema "For The Animals". Interesantes y atemporales sonidos que no destiñen entres las tendencias actuales.

"Revenge... best served cold" que traducido al español corresponde a la sentencia: "la venganza se sirve mejor en un plato frío" es el nombre del single y videoclip que promociona el nuevo álbum de Prong, Carved In Stone. La siempre interesante propuesta de una banda que combina desde hace tres décadas y a la perfección los sonidos de Black Flag, Killing Joke y los clásicos del thrash metal.

La extraordinaria voz y belleza de Simone Simons nos vuelve a encandilar en la nueva y quinta producción de Epica: Requiem For The Indiferent, lanzada a comienzos del mes pasado. "Storm the Sorrow" fue el tema elegido por la banda para dar vida al videoclip que promociona la placa y que pone ante nuestros ojos una vez más los siempre admirables atributos de la diosa nórdica.

Igual de diosa y no menos nórdica por cierto, la alemana Angela Gossow nos impacta en lo más inmediato de nuestra alma masculina y metalera en un nuevo videoclip de Arch Enemy, correspondiente al tema "Under Black Flags We March", constituyente del álbum Khaos Legions del 2011.

Chino Moreno y miembros de Isis formaron nueva banda

El célebre vocalista de Deftones, Camilo "Chino" Moreno, unió fuerzas con tres de cinco músicos que conforman el combo de post-metal progresivo: Isis, estos son Aaron Harris (batería), Bryant Clifford Meyer (voces, guitarras y efectos electrónicos) y Jeff Caxide (bajista).

 .

Palms (palmeras) es el nombre elegido para este nuevo proyecto, definido por el propio Moreno como una mezcla entre "su sentido de creatividad" con la música de una de sus bandas favoritas.

 .

El futuro álbum debut será fichado por Ipepac Recordings (actual sello de Isis) y su grabación y mezcla dirigida por el batero Aaron Harris.

RETROspectiva: King Crimson - "Larks' Tongues in Aspic (Part I & II)" (1973)

 

 

Junto con artistas de la talla de Frank Zappa, David Bowie, Protocol Harum y Magma, King Crimson representa la esencia vanguardista del rock de los '70, una banda que a lo largo de cinco décadas de vigencia jamás hipotecó la creatividad por ascender al mainstream ni tiene entre sus creaciones álbumes más comerciales que otros. Su estílo en esencia experimental/progresivo puede entenderse como una máquina en constante estructuración y que ha ido variando conforme evoluciona el rock y la música popular, siendo desde el principio (finales de los '60) un combo de tremenda musicalidad, abierto a todos los estílos y subgéneros imaginables, pero con particular ahínco en los sonidos del jazz, el folk, la música clásica/filarmónica y el rock pesado.

Naturalmente, toda gran banda es producto de las ideas y de la voluntad disciplinada de una mente singular y en el caso de King Crimson ese genio (y único miembro permanente) se llama Robert Fripp, guitarrista, tecladista y compositor aclamado por generaciones de progres y metaleros, pues posiciona en lo más alto la grandilocuencia del rock clásico británico, habiendo hecho el puente entre las sonoridades psicodélicas más descabelladas de la década hippie con buena parte de lo que se comenzó a gestar en los '70 y aunando entre sus riffs pasajes llenos de harmonía, típicos del rock progresivo, con las más esquizofrénicas improvizaciones del jazz y una cuota no menor de salvaje heavy metal, casi más atronador que los acordes de Tony Iommi. Su temprana obra maestra: "21st Century Schizoid Man", tema apertura del primer disco: In The Court Of The Crimson King, resume en gran medida la propuesta de la banda, una experiencia cualificada para oídos doctos, amantes de los tecnicismos jazzísticos y del rock metálico más elaborado, fórmula que con el paso de los años les convertirá en referentes de algunos de los conjuntos más complejos o menos convencionales de la industria rockera, tales como Rush, Primus, Tool, Radiohead, Opeth y Devin Townsend, entre muchos otros.

A fines de 1972 se cuadró una de las más emblemáticas formaciones de los Crimson, con John Wetton de Wishbone Ash en bajo y voces, el ex Yes, Bill Bruford en batería, David Cross en violín e instrumentación clásica y Fripp en sus particulares ocupaciones, al año siguiente lanzaron Larks' Tongues in Aspic, excelentísima quinta placa, copada de sonidos experimentales y unos cuantos guiños al heavy metal. El tema que da nombre al álbum se divide en dos partes (una en la apertura y otra en el cierre), tratándose de un concepto instrumental que auna las influencias clásicas con el jazz, el metal y unos liados beats tribales, lo que en suma configura una verdadera obra de arte sónica, antesala de todo el avant garde, del metal progresivo y herencia indiscutible del "In-A-Gadda-Da-Vida" de Iron Butterfly o el "Break Song" de Vanilla Fudge.

RETROspectiva: Sir Lord Baltimore - "Hard Rain Fallin'" (1970)

"Qué es el heavy metal, sino la más artística expresión de rabia, empleando a su favor todos los elementos del rock clásico (post Hendrix) para aglutinar entre sablazos de beats, riffs altisonantes, chirriantes solos y apasionadas voces todo el ardor de nuestras hirvientes entrañas, producto del amor y del odio: las dos energías que impulsan al mundo y nos hacen sentir parte". Esta breve descripción de mi género favorito, la realicé años atrás a pedido del ya descontinuado sitio Metal Urbano, y la banda que tuve en mente por aquel entónces (recuerdo perfectamente) no fue otra sino Sir Lord Baltimore.

Manados hace 45 años de Brooklyn, NY, el power trío norteamericano Sir Lord Baltimore es otro de tantos conjuntos que nació destinado a menciones honrosas y reconocimientos ulteriores, pese a que su forma de rockear -en términos de época- era ostensiblemente de otro mundo, un ensamble imposible entre el revivalismo rock 'n' rolero de MC5 y la furia instrumental de Zeppelin, pero multiplicada por tres. Definitivamente, la banda más heavy metalera que surgiera en territorio americano, aunque para la pobre crítica de aquellos años, resultaran tan secundarios como unos Blue Cheer, vale decir, el tipo de bandas que la industria relegó por considerarlas excesivas, y que décadas más tarde lograron hacerse justicia entre grungys y stoners que supieron apreciar en su música un prototipo del punk-metal, la convergencia de los orígenes, la suma de todas las bondades del rock de los '70.

El mágico combo lanzó su primera placa (titulada Kingdome Come) el mismo año que Jimi Hendrix ejecutó el último riff. Las canciones del álbum son la consiguiente evolución de aquel rock salvaje, copado de chamanismo eléctrico que poquísimos conjuntos posteriores y hasta contemporáneos de los de Brooklyn pudieron alguna vez reproducir, una verdadera pieza de arte olvidada entre las incontables y amarillentas crónicas que adornan el museo del rock y que bien vale la pena someter a la desfachatez de extraerle un tema para colgarlo en la presente RETROspectiva. John Garner (vocalista/baterísta), Louis Dambra (guitarras) y Gary Justin (bajo) configuraron el power trío original, responsable del primer disco. Un año más tarde se sumaría un cuarto miembro y segunda guitarra, el hermano de Louis Dambra, Joey.

Nuevos videos: Taproot, Crucified Barbara, Marilyn Manson, Municipal Waste, Meshuggah, Mastodon y Saint Vitus

Una batería de nuevos videos es la que colectamos las últimas dos semanas para deleite de tus oídos y ojos. Metal alternativo, hard rock, thrash, sludge... a continuación siete razones para pasar un buen rato.

El pasado martes 10 de abril fue lanzado Episodes, sexto álbum de estudio de los americanos Taproot, otra perlita para los amantes del hard rock noventero. El disco viene siendo promocionado hace unos días por el sencillo y videoclip de "No Surrender".

El próximo 28 de mayo, las sensuales y ruidosas rockeras de Estocolmo: Crucified Barbara, tienen previsto lanzar su tercera placa de estudio titulada The Midnight Chase, desde ya promovida por el videoclip de "Into The Fire", clásico amasijo de adrenalina punk/metal/glam.

Por su parte, Marilyn Manson, el grotesco anticristo industrial, se encuentra próximo a lanzar su octava placa de estudio, Born Villain, sucesora de la fracasada The High End of Low del 2009, que en opinión de muchos marca el declive de una carrera más marcada por las polémicas que por la música. "No Reflection" es el nombre del single/video que promociona esta nueva apuesta del andrógino rockero.

Otros que estrenan videoclip son los thrashers de Virgina, Municipal Waste quienes esta semana lanzaron a la venta su quinto álbum de estudio: The Fatal Feast, promocionado por el sencillo del mismo nombre.

La caóticos metaleros suecos, Meshuggah, lanzaron hace unas semanas su séptima y demoledora placa Koloss, de la cual desarrollaron un videoclip del tema "Break Those Bones Whose Sinews Gave It Motion" (Romper huesos con sus tendones en movimiento).

Otros que se decidieron a componer sobre huesos, son los extraordinarios Mastodon que a pocos meses de estrenar su más reciente placa (The Hunter) nos ofrecen un nuevo videoclip, correspondiente al tema "Dry Bone Valley", con imágenes tomadas de una performance en el Brixton Academy de Lóndres.

Finalizamos con lo más reciente de los legendarios del doom: Saint Vitus, un videoclip del tema "Let Them Fall", track de apertura para su octavo álbum Lillie: F-65, a la venta dentro de dos semanas.

RETROspectiva: Black Sabbath - "Black Sabbath" (1970)

Tan tétrica como la portada del disco, la hímnica "Black Sabbath" se inscribe en la historia de la música como canción pionera del doom y el álbum del mismo nombre como la culminación del sonido y estílo heavy metal. Tras la aparición del cuarteto de Birmighan, ya nada sería igual en el mundo del rock, a tal punto que una nueva identidad: el metalero, se escindirá del resto de la tribu rockera, generando una subcultura propia, con terminologías, usos, vestimentas y visiones muy particulares, que a cuatro décadas del nacimiento de Black Sabbath continúan vigentes y en progresiva evolución.

En su tiempo, Black Sabbath fueron considerados los bichos más raros entre un montón de nuevos grupos ruidosos que tenían en común el sacar a colación las influencias eléctricas de Jimi Hendrix, Cream o Iron Butterfly (génesis de todo el rock pesado) en oposición al rock más ligero de The Beatles, The Animals, los Stones e inclúso The Who. Sin embargo, algo de visión comercial medió también en la propuesta diferente de estos dopados e irreverentes músicos que tomaron de sus contemporáneos Led Zeppelin la llave al mundo del ocultismo y de la psicodelia dura, reempazando sus expresiones simbólicas y poéticas por historias decididamente macabras, veneración no disimulada al cuernudo (aunque en un sentido aún metafórico y no ritual o demencial como el black metal), empleo de la imaginería religiosa (cruces y cruces invertidas) en tono blasfémico y una apología al libertinaje sexual y al consumo de drogas, tal como destacara el clásico "Snowblind" de 1972, una verdadera oda a la cocaína.

Lo políticamente incorrecto, lo moral y espiritualmente condenable, es toda una ciencia de la que se nutre Black Sabbath para complacencia de jóvenes inadaptados de todas las generaciones (nos incluímos al grupo sin nada de cortedad) y para legado de millones de bandas no sólo del amplio espectro metalero, también de otros estílos turbados como el hardcore, el grunge y buena parte del movimiento alternativo de los '90. Siendo sus discos altamente adictivos, tornarse fan puede retrasar en años cualquier proceso de empatía con la realidad, aún así Black Sabbath sigue siendo música para gente con sangre en las venas, por lo mismo gratifica el hecho de que sus miembros originales (con salvedad del batero Bill Ward) sigan en ruedo y prontos a lanzar una nueva entrega discográfica, condensación de cuarenta años de historia e intermitente labor individual en las lides del heavy metal, que más que un simple estilo musical, es nuestra forma de ver la vida, entender el mundo y acompañar en todo momento los tragos dulces y amargos que conlleva la existencia.

En streaming el primer tema de Soundgarden en 16 años

Para todos los amantes del grunge (incluyéndome) este ha de ser sin duda un día glorioso.

Hasta el anuncio de su reunión en 2010, nada hacía prever que una de las bandas más icónicas de los '90 volvería a estremecer alguna vez los escenarios del mundo ni mucho menos a hacer nueva música juntos. La espera ya es cosa del pasado y he aquí -sobre estas líneas- la primera perla de Soungarden en más de una década, un tema titulado "Live To Rise" (primer track de un total de 15) y que retoma el sonido más depuradamente alternativo que la banda dejó congelado en su último álbum Down The Upside.

Hace ya cerca de un año, el guitarrista Kim Thayil aseguró que la banda tenía previsto direccionar los temas del nuevo disco por una vía más heavy/sabbática, semejando al sonido de sus primeras producciones. Claramente este no es el caso de "Live To Rise", que si bien puede que no figure entre lo más pesado o metálico de Soundgarden, es indudablemente una hermosa canción, colmada de los elementos que hicieron único al cuarteto de Seattle.

Ya Know?, el legado de Joey Ramone se resiste a abandonarnos

El próximo domingo se cumplirán 11 años del deceso del gran Joey Ramone, padre del punk rock y un sujeto de incomparable creatividad y carisma, que aprendió a rockear como ningún otro, improvisando desde la simpleza más absoluta, las influencias de Alice Cooper, Iggy Pop, los Stones, The Beatles y todo el rock 'n' roll y pop de los años '50 que le acompañó en su niñez por medio de la radio.

En el 2002 y a seis años de la separación de The Ramones, fue publicado su hasta ahora único álbum solista, el póstumo y emblemático Don't Worry About Me que a la par de ser una despedida y agradecimiento a la vida (lo que podemos percibir en el emotivo cover de "What A Wonderful World") esconde también una última declaración de amor ("Maria Bartimoro") muy ad hoc a su personalidad bastante ensimismada y tímida y que mejor calzaría en la categoría de "hippie bueno" (a lo Cat Stevens) que en la de un peligroso punk rocker.

Definitivamente el mundo nunca tendrá suficiente de Joey Ramone, aunque por fortuna el próximo 22 de mayo se publicará una segunda placa póstuma titulada Ya Know?, consistente en una serie de demos, covers y grabaciones inéditas al fin desclasificadas y puestas a disposición de todos los amantes de Joey, de The Ramones, del punk rock y de los clásicos del rock en general.

RETROspectiva: The Who - "The Song Is Over" (1971)

Si de clásicos del rock se trata, The Who es sin lugar a dudas uno de los máximos imprescindibles. Derivados de la invasión británica de comienzos de los '60 junto a The Beatles y los Rolling Stones, tomaron de los primeros sus peinados y melodías coreables y de los segundos su conatural agresividad, consistente en una mayor asimilación bluesera y amplitud de los instrumentos. Su anclaje al estílo de vida MOD (medio camino entre la subcultura beatnik y la contracultura hippie), un excesivo consumo de drogas y la constante necesidad de experimentarlo todo, tanto dentro como fuera de la música, son elementos determinantes para comprender la excesiva contribución de esta banda a la evolución del preciado género y el encause hacia nuevos estílos como el art rock, el progresivo y el hard rock.

El glorioso cuarteto de Lóndres saltó a la fama en la temprana fecha de 1965, por medio del single "My Generation", perteneciente al LP (debút) del mismo nombre. La canción, una enrabiada protesta contra la crítica musical de su tiempo, tiene un ritmo y acidéz propias del punk rock, género del que años más tarde serán considerados profetas o prototipo, pero pese a conquistar un conveniente status de irreverencia y rebeldía en el temprano rock 'n' roll, ni My Generation (el álbum) ni su sucesor A Quick One de 1966 complacen la sed de innovación de unos Who liderados por la tremenda ambición creativa del guitarrista Pete Townsend, además del controvertido y enérgico baterísta Keith Moon o el gran bajista y compositor John Enwistle, seguidos varios pasos atrás por el vocalista Roger Daltrey quien hasta fines de los '60 careció de algún sello estilístico que le destacara o pusiera a la par de tan tremendos talentos y egos con los que compartió el podio.

La oportunidad de brillar llegó a Roger Daltrey en 1969 conjunto a la grabación del mítico álbum conceptual Tommy, considerado una obra maestra de la post psicodelia y la génesis del art rock. Será entre las variaciones y tempos de "We're Gonna Take It", el hard rock de "Pinball Wizard" o las cuidadas melodías de "Sensation" que el cuarteto afiance todo su potencial y tanto Daltrey como el resto de la banda, den finalmente con su distintivo sónico. Dos años más tarde lanzan Who's Next, el que es para muchos (incluyéndome) el mejor disco de la banda, un ejercicio de actitud y buen gusto que mezcla el hard rock con el progresivo y la tradicional rítmica de los Who en grandes himnos como "Baba O' Riley", "Won't Get Fooled Again" o las deleitables harmonías de "Behind Blue Eyes", "Gettin in Tune" y "The Song Is Over"* que hacen de este álbum una obra maestra de los '70, transparentada influencia en otros memorables discos de la década como el debút de Aerosmith (1973), Queen (1973) y Queen II (1974) de Queen o hasta el mismísimo The Wall (1979) de Pink Floyd.

Alessandro Conti, nuevo vocalista para la "versión B" de Rhapsody

Hace ya cerca de un año que Luca Turrilli, legendario guitarrista y fundador de la banda italiana Rhapsody (Of Fire), escindió de la misma para anunciar meses más tarde que armaría -junto al también ex miembro de la banda, Patrice Guers- una versión B a la que tituló simplemente Luca Turilli's Rhapsody.

Ayer 30 de marzo, fue anunciada en la página oficial del conjunto la fecha de lanzamiento del debutante álbum: Ascending To Infinity (22 de junio) además del artwork de la portada, el tracklist y el nombre del nuevo vocalista: Alessandro Conti, miembro de los también italianos Trick or Treat y un músico de excelencia, formado en conservatorios y con igual destrezas para la música clásica (en particular la ópera) que para el resto de los estílos populares.

Sólo resta esperar algunos meses para ver que nos depara Turilli en esta nueva etapa y cruzar los dedos con la esperanza de que estos nuevos Rhapsody estén a la altura de los liderados por Fabio Lione y Alex Strapoli o que en el peor de los casos Ascending To Infinity no sea tan decepcionante como lo fue en su momento Lost Horizons, la primera y única placa del proyecto Luca Turilli's Dreamquest.