jueves, 29 de enero de 2015

ᗅᗺᗷᗅ


ᗅᗺᗷᗅ es una de las pocas bandas que gustan por igual a amantes de la música ligera y del rock. Su estílo -semejante en algún punto al de artistas como Blondie, Air Supply y Bee Gees- se convirtió en estandarte de la era disco a mediado de los '70, aunque la ignición de su carrera en 1972 estuvo influenciada por el rock progresivo, el glam, el r&b, la música folk sueca y las artistas Motown de los '60 (la también llamada "música chicle") que como The Supremes y The Ronettes fueron una significativa influencia en el pop/rock y la new wave de años ulteriores. 

La banda más popular de Suecia y la segunda (detrás de The Beatles) que más discos ha vendido en el planeta, surgió de la unión artística de dos matrimonios: el conformado por Agnetha Fältskog (05.04.1950) y Björn Ulvæus (25.04.1945) y el de la noruega Anni-Frid Synni Lyngstad (11.11.1945) con Benny Andersson (16.12.1946), de las iniciales de sus nombres proviene el acrónimo ABBA (escrito ᗅᗺᗷᗅ) aunque hay quienes piensan que este es también una referencia ocultista a uno de los nombres de la divinidad en arameo.


Al momento de formar ABBA, sus miembros -con excepción de Agnetha- bordeaban los 25 y 30 años, pero de manera individual todos habían hecho música y grabado discos desde la adolescencia, logrando popularidad en su país. No fue hasta febrero de 1972 que sus destinos se unieron por primera vez de cara al Melodifestivalen de Estocolmo, en el que Björn y Benny participaron con una composición conjunta titulada "Säg det med en sång" que pese a no ganar, fue muy popular en Suecia y les abrió una senda hacia la consolidación internacional.



Con paso firme como compositores y multiinstrumentistas, Björn y Benny suman a sus parejas como cantantes y se lanzan a la conquista del mercado con nuevos éxitos como "She's my kind of Girl" y "People Need Love" que terminan incluídos en el LP debút de ABBA: Ring Ring (1973). Música pop elegante y sofisticada, interpretada a dueto por dos bellezas nórdicas (que parecen salidas del coro celestial) se compacta en cada uno de los 12 temas del disco, cuyas referencias sónicas apuntan a artistas de primer nivel como Sinatra, Elvis, The Beach Boys, The Beatles, The Carpenters, Mamas & The Papas y la cantata melódica del norte de Europa, impregnada del espíritu y alta sensibilidad germánica.

Al año siguiente, incursionan por primera vez en la música disco con temas como "Dance (While the music still goes On)" y "Hasta Mañana" pero es el rock liviano de "Waterloo" el que se lleva los laureles y da nombre a su segundo disco, en mi opinión: el mejor de su carrera junto con Arrival (1976) y Super Trouper (1980). Al igual que ocurriera con The Beatles, a ABBA sólo le llevó diez años convertirse en la banda más emblemática de su generación, entre 1972 y 1982 tuvieron el mundo a sus pies y lograron que cada uno de sus ocho discos vendiera no menos de cuarenta millones de copias, colocando de forma simultánea varios singles a la cabeza de los charts y en el top 1 de  las radios y discoteques. El rompimiento amoroso de las dos parejas y el fin de la amistad entre sus miembros, marca también el ocaso de su música.

La gélida Suecia es célebre por su Estado de Bienestar (orden político-económico), sus autos Volvo, los teléfonos Ericsson, la industria siderúrgica y el potencial de su gente, fuente de una de las sociedades más ejemplares y cívicas de Europa y del mundo entero. No es de extrañar en tanto que cuatro jóvenes locales se convirtieran en su segundo mayor producto de exportación (detrás de Volvo) y volvieran a fijar nuestra vista en tierras de los vikingos, antaño conquistadores del mundo por medio de sus drakkars y en los '70 y '80 a través del encanto y de la magia de temas como "SOS", "Knowing Me, Knowing You", "Dancing Queen", "Thank You For The Music", "Eagle", "Voulez Vous", "Chiquitita", "The Winner Takes It All", "Lay All Your Love On Me" y "Head Over Heels", que bailados -en su tiempo- por nuestros padres, hoy son versionados por bandas de metal melódico y grupos de indie pop.

miércoles, 21 de enero de 2015

Dick Dale


Hubo un tiempo en que el rock 'n' roll no tenía nada de virulento, su espíritu era divertir y animar las fiestas juveniles: verdadero desfile de minifaldas y peinados engominados, inspirados por  la Motown, Elvis, The Beatles e íconos cinematográficos como Marlon Brando, James Dean y Marilyn Monroe. En aquellos primitivos años del rock, la sana aspiración de todo teenager americano era formar una banda de garage, adquirir un auto y enamorar a un ejército de chicas, una realidad de fines de los '50 que de las películas y las revistas pasó también al resto del mundo, donde surgieron curiosas adaptaciones como la del movimiento "nueva ola" en Chile.

California y la costa oeste de los Estados Unidos fueron por entónces la Meca del rock 'n' roll, el epicentro de todos los sueños juveniles. Fiestas, kilometros de playa y las mujeres más hermosas del planeta bastaban para animar un espíritu del que se hicieron carne bandas como los Beach Boys, The Surfaris, The Bel-Airs, The Chantays y The Del-Tones, estos últimos lidearados por el virtuoso guitarrista Dick Dale, reconocido dentro del circuito como "el padre del surf rock", un gigante de la música de quien les invito a revisar la presente foto-biografía.

lunes, 19 de enero de 2015

Discos Memorables: Triana - El Patio (1975)


Triana fue la banda más fundamental del rock español en la década de los '70. Su estílo único -y complejo- mezcla de rock progresivo, guitarras flamencas, bulerías y enigmáticas composiciones, posicionó a los sevillanos en las primeras listas de su país y como uno de los conjuntos más emblemáticos del rock en nuestro idioma.

Tras la disolución de algunos conjuntos locales, el año '73 Jesús de la Rosa (voz, bajo y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (guitarras) y Juan José Palacios, alias "Tele" (batería) unen sus virtudes instrumentales y dan forma a un nuevo concepto musical, que reflota la importancia del flamenco y de la tradición morisco-andaluza, mezclándolas con la influencia anglo de conjuntos como Pink Floyd, Led Zeppelin, Gong, King Crimson, ELP y Camel. Producto de aquella inspiración surge la mejor etapa de Triana, registrada en sus tres primeros discos: El Patio (1975), Hijos del Agobio (1977) y Sombra y Luz (1979), además de los fundamentos de una nueva escena: el "rock andalúz", de la que tomarán partido bandas como Alameda, Luis Cobo y los hard rockeros Medina Azahara. 

El giro que dieron Triana al rock progresivo en España, es equivalente a lo hecho por Los Jaivas en Chile con la fusión andina o a la escena del prog italiano de los '70, que engendró un fenómeno único y maravilloso del cual fueron protagonistas conjuntos como Ill Balleto Di Bronzo, Premiata Forniera Marconi, Banco del Mutuo Socorro y Le Orme, que tenían la particularidad de cantar en el propio idioma e inyectar a la mezcla elementos de la música tradicional y docta. Fueron estos los años dorados del rock o una era colmada de creatividad, donde el sentido de la música era comprendido como el "puro arte" de la identidad.


Si bien no cabe duda de que la mejor etapa de Triana es la que comprende sus tres primeros discos, en mi opinión y la de muchos El Patio de 1975 viene a ser (además del debút) la obra maestra de los sevillanos, el inicio de una búsqueda y la consecución de un estílo propio que hecha raíces en la magia del sur de España: la mítica Al-Andalúz. Jesús de la Rosa compuso casi en su totalidad las letras del disco, soportado por un sólida base instrumental, donde la percusión de "Tele" entreteje pasajes con los teclados y las guitarras españolas de Edu Rodríguez, asistidas de vez en cuando por los riffs eléctricos de Antonio García de Diego, músico de estudio y futuro compañero de giras de Joaquín Sabina.

Cada uno de los siete temas de El Patio son una invitación a lo más recónditos pasajes del subconsciente y a un mundo de arquetipos olvidados pero aún latentes, impregnados en la rica tradición andaluza, mezcla de épica medieval, poesía e imaginario islámico. La apertura de 9 minutos titulada "Abre la Puerta" (el gran clásico de Triana) nos viste de fantasmas danzantes para recorrer cada rincón de sus letras, entre patios de luz, mosaicos, ventanas floreadas, estrechos bazares, antiguas mezquitas, castillos, ríos y montañas, todo en una psicodélica declaración de amor.

"En el Lago", "Sé de un lugar", "Recuerdos de una Noche" y "Diálogo" son también sentidos poemas de amor, cargados de metáforas que transmiten las nostalgias y añoranzas de un apasionado y a la vez tímido Jesús de la Rosa, mientras que "Luminosa Mañana" (la canción más mística e introspectiva del álbum) da la impresión de ser un tema póstumo o la despedida del compositor, al más puro estílo de "Un Beso y una Flor" de Nino Bravo, como si de la Rosa hubiera presentido su desafortunado desenlace nueve años más tarde.

jueves, 15 de enero de 2015

Gato Inmortal


A 12 años de la muerte de Eduardo "Gato" Alquinta, tributamos su memoria en LRDRP, recordándolo como el más grande ícono del rock nacional. 

La voz de Los Jaivas -quien hoy tendría 70 años- llevó a lo más alto la música de nuestro país, compactando una maravillosa fusión de música andina y latinoamericana con rock progresivo, poesía, sangre mestiza y alma hippie, que calza muy bien en la descripción que los propios Jaivas hicieron alguna vez de su música: "una cruza entre Violeta Parra y Jimi Hendrix". Gran compositor y frontman, el Gato Alquinta fue trovador de vida y mensajero de libertad, un guerrillero sin más armas en las manos que la guitarra eléctrica, el charango, la quena y la trutruca, instrumentos con los cuales hizo gala de lo propio y lo adoptó a lo universal.

Sobre Los Jaivas, una de mis bandas favoritas, escribiré mucho más en el futuro, pero hoy sólo bastan estas pocas líneas para recordar y conectarse con el más grande músico, compositor y frontman de la historia musical chilena, el porteño que conquistó las Alturas del Machu Picchu (1981) y cantó a los mil vientos que es un hijo de esta tierra.

miércoles, 7 de enero de 2015

En el límite entre el metal y lo surreal: Una curiosa colaboración


No es un misterio para nadie que el rock metálico -al menos desde los últimos diez años- pasa por una alarmente sequía de creatividad, lo que es igual de cuantificable en Occidente que en el excéntrico Japón, donde la existencia de agrupaciones como Maximum The Hormone o el trío de niñas BABYMETAL, exaspera a los puristas y encarna una señal apocalíptica para los más ortodoxos seguidores del género.

A comienzos de 2014, este producto de mercadotecnia llamado BABYMETAL lanzó su debút homónimo, donde se  une un soporte instrumental que mezcla distintos géneros del metal contemporáneo con en el encanto popero de tres bonitas niponas que aún arrastran la bolsa del pan. Desde luego el disco fue recibido con duras críticas por parte de los medios "serios" y unas pocas benevolencias por aquellos que lo no lo tomaron muy en cuenta o lo vieron -como en su tiempo a Spinal Tap, GWAR o Lordi-  como una especie de humorada.

A un año del debút discográfico, las BABYMETAL ya son toda una celebridad en el manoseado mundo del metal, participan de giras, comparten escena con bandas de las ligas mayores e inclúso se las arreglan para generar extrañas cruzas con algunas de ellas, como es el caso de este nuevo tema: "Road Of Resistence", grabado en estudio junto a los ingleses de DRAGONFORCE, banda liderada por el virtuoso guitarrista chino Herman Li. Esto viene a ser una oda a la globalización y a la decadencia de ideas en la música.

domingo, 4 de enero de 2015

Philip Parris Lynott


Arrancamos el 2015 en La Religión del Rock Pesado, con el recuerdo de uno de los más grandes íconos de Irlanda, mi músico favorito y alma de Thin Lizzy, quien colgó el bajo un día como hoy hace ya 29 años.

La mitad de mi vida he sido fan de Thin Lizzy, sobre la banda y sobre su impar frontman he escrito varias columnas para blogs e e-zines, algunas que no llegaron a ser publicadas. Pienso que Lynott es uno de los músicos más completos en la historia del rock: sensible, culto, inteligente, poético y a la vez un rockstar peligroso y autodestructivo, rara mezcla que al final de sus días resultó ser contraindicativa.

Como muchos de sus contemporáneos, Lynott glorificaba al más grande músico de color de la historia: Jimi Hendrix y los Stones eran su influencia de cabecera, también es manifiesto que sus composiciones (tanto lo que desarrolló en Thin Lizzy como en solitario) fueron muy deudoras de Bob Dylan y Van Morrison, vale decir de aquella veta poética del rock que en el caso de los primeros tres álbumes de Thin Lizzy nos sumerge en los más profundos arquetipos irlandeses, en el apego por la tierra y la tradición cristiano-celta. Sólo me basta escuchar canciones como "Dublín" y "Old Town" para compenetrarme con el Phil Lynott más auténtico, uno que emociona hasta las lágrimas.

Sin necesidad de explayarme mucho más, comparto con ustedes vida, obra y curiosidades del gran Phil Lynott en un especial foto-biográfico.

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